El amanecer del cine comercial

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El 28 de diciembre de 1895, los hermanos Lumière, pioneros del cine moderno, transmitieron películas a un público que pagaba por primera vez en la historia. Como resultado, esta fecha se ha asociado para siempre con los albores de la era cinematográfica y el inmenso cambio que esta tecnología ha traído a nuestras vidas.

Estos franceses, August y Louis, no inventaron el cine en movimiento, sino que lo llevaron a un nivel en el que podría utilizarse como medio de entretenimiento popular por primera vez.

Durante generaciones, Drake's Island, situada a las afueras del puerto de Plymouth, había sido propiedad del Ministerio de Defensa. Recientemente, sin embargo, este bastión de la isla ha pasado a ser de propiedad privada. En este documental, Bob King, el guardián de la isla de Drake, le ofrece a Dan un recorrido exclusivo por este pedazo de tierra extremadamente militarizado.

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Película encontrando sus pies

El prolífico inventor estadounidense Thomas Edison ya había desarrollado un “kinetoscopio” para ver imágenes en movimiento, pero el problema con este dispositivo de “peep-show” era que solo podía ser examinado por una persona a la vez.

Thomas Edison en 1922.

Los Lumières habían estado en el floreciente negocio de la fotografía desde principios de la década de 1880, pero cuando lo heredaron tras la jubilación de su padre, decidieron llevarlo por una nueva y ambiciosa dirección.

En su pequeña fábrica en Lyon, desarrollaron numerosas tecnologías esenciales para una cámara de película en funcionamiento, lo más importante son las perforaciones de la película, los orificios cuidadosamente perforados en el costado de la película física negra. En 1892, un escritor francés llamado Léon Bouly tropezó con la idea y los diseños preliminares de lo que llamó un "Cinematógrafo".

La principal diferencia entre esta y la máquina de Edison era que también contenía un proyector, lo que permitía a muchas personas ver una película en movimiento a la vez. Sin embargo, escaso de dinero y de conocimientos técnicos reales, Bouly vendió sus derechos sobre el nombre y el diseño a los Lumières, quienes luego se dispusieron a hacer realidad su sueño.

De Oliver Cromwell a Robin Cook, de Ellen Wilkins a Margaret Thatcher, de Edmund Burke a Winston Churchill. Dan Snow recuerda algunos de los mejores discursos jamás pronunciados en Westminster.

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Visión de los Lumières

En febrero de 1893, los hermanos patentaron con éxito su propia versión enormemente mejorada del Cinematograph y lograron tomar su primera imagen en movimiento. Sortie de l'usine Lumière de Lyon, mostró a los trabajadores saliendo de su fábrica, en dos años.

Después de una exitosa proyección pública de la película en el primer cine del mundo en el sur de Francia, se dieron cuenta de que podían obtener enormes beneficios al participar en proyecciones pagadas.

Después de una exitosa campaña publicitaria, la primera proyección comercial del mundo tuvo lugar en el Grand Café. Boulevard des Capuchines en París, donde los Lumières exhibieron sus primeras diez películas ante un público admirador.

Cada película tenía alrededor de 17 metros de largo, duró menos de un minuto y tuvo que ser accionada manualmente a través de un proyector, pero su recepción fue de asombrosa alegría. En la gran Exposición de París de 1900, el cinematógrafo fue una de las principales atracciones, y los hermanos llevaron su invento por todo el mundo, atrayendo a multitudes fascinadas.

Postal de la Exposición de París (o L'Exposition Universelle), 1900. (Crédito: París-16).

La era del cine había comenzado, y en 1906 se pudieron realizar largometrajes de una hora de duración a medida que el potencial de la tecnología cobraba vida.


Edificios comerciales de Monroe Avenue

los Edificios comerciales de Monroe Avenue, también conocido como el Bloque Monroe, es un distrito histórico ubicado a lo largo de un tramo de cuadra y media en 16-118 Monroe Avenue en Detroit, Michigan, justo al lado de Woodward Avenue en el extremo norte del Campus Martius. El distrito fue designado Sitio Histórico del Estado de Michigan en 1974 [2] y listado en el Registro Nacional de Lugares Históricos en 1975. [1] Los trece edificios originales fueron construidos entre 1852 y 1911 y tenían entre dos y cinco pisos de altura. [2] El Teatro Nacional, construido en 1911, es el teatro más antiguo que se conserva en Detroit, una parte del distrito teatral original de la ciudad de finales del siglo XIX y la única estructura sobreviviente del período histórico original de los edificios comerciales de Monroe Avenue. [3] [4]


1. Kubrick intentó comprar un seguro de extranjería

Justo antes de la NASA & # x2019s Marinero 4 La nave espacial pasó por Marte en julio de 1965, un Kubrick preocupado intentó contratar una póliza de seguro con Lloyd & # x2019s of London & # x2014 en caso de que el descubrimiento de vida extraterrestre arruinara la trama en la que estaba trabajando con el escritor de ciencia ficción Arthur C. Clarke. & # x201CHCómo los suscriptores lograron calcular la prima, no puedo & # x2019 imaginar & # x201D Clarke escribió asombrado & # x201C, pero la cifra que cotizaron fue ligeramente astronómica y el proyecto se abandonó. Stanley decidió arriesgarse con el universo. & # X201D Al final, MarineroLas imágenes de & # x2019s mostraban una superficie lunar áspera, llena de cráteres, que de inmediato aplastó la esperanza de que la vida inteligente & # x2014o de hecho, cualquier vida & # x2014 pudiera existir en ese planeta.

Arthur Clarke, autor de & # x20182001: A Space Odyssey. & # X2019 (Crédito: Foto de Sipa / AP)


El amanecer del cine comercial - Historia

"Este fue el primer intento de la formación de una cámara oscura, un instrumento que ha otorgado tan incalculables beneficios a la humanidad".

Este texto examinará todo ese historial, desde la imagen del agujero de alfiler hasta la pantalla. Nuestro propósito es brindar la visión más completa, exhaustiva y amplia de cada componente que constituye el medio de la película y darle vida y sustento en el proceso.

Presentada cronológicamente, LA HISTORIA DEL DESCUBRIMIENTO DE LA CINEMATOGRAFÍA abarca una recreación histórica y fáctica propia, combinando todas las propiedades de la cinematografía y las personas responsables de su descubrimiento o invención, y uniendo esas piezas en una historia en constante desarrollo. La visión real que tuvieron muchas de estas personalidades durante su participación en este fascinante proceso de creatividad, producción y mejora es asombrosa.

Hicieron su primera exhibición privada de películas en marzo de 1895 y en diciembre comenzaron las exhibiciones públicas en el Grand Café de París. Estos fueron populares casi de inmediato, y en 1896 los Lumi & egravere's convirtieron una sala en el café en el primer cine del mundo. El Cinématographe se extendió rápidamente por Europa y en 1896 se importó a los Estados Unidos.


Cine indio

India tiene una de las industrias cinematográficas más grandes y antiguas del mundo. Fue a principios de 1913 cuando una película india recibió una proyección pública. La película fue Raja Harischandra. Su director, Dadasaheb Phalke, ahora es recordado a través de un premio a los logros de toda una vida otorgado por la industria cinematográfica en su nombre. En ese momento fue realmente difícil conseguir que alguien representara el papel de las mujeres. Entre las clases medias, la asociación de actuar con la pérdida de la virtud, la modestia femenina y la respetabilidad sólo se ha puesto en duda recientemente.

Mientras que otros cineastas, trabajando en varios idiomas indios, fueron pioneros en el crecimiento y desarrollo del cine indio, el sistema de estudio comenzó a surgir a principios de la década de 1930. Su primera película de mayor éxito fue Devdas (1935), cuyo director, P.C. Barua también apareció en el papel principal. La Prabhat Film Company, establecida por V. G. Damle, Shantaram, S. Fatehlal y otros dos hombres en 1929, también logró su primer éxito en esta época. Sant Tukaram (1936) de Damle y Fatehlal, realizado en marathi, fue la primera película india en obtener reconocimiento internacional.

Las películas sociales de V. Shantaram, más que cualquier otra cosa, allanaron el camino para todo un grupo de directores que se encargaron de interrogar no solo las instituciones del matrimonio, la dote y la viudez, sino también las graves desigualdades creadas por la casta y la clase. distinciones. Algunos de los problemas sociales recibieron su expresión más inequívoca en Achhut Kanya ("Chica intocable", 1936), película dirigida por Himanshu Rai de Bombay Talkies. La película retrata las tribulaciones de una niña Harijan, interpretada por Devika Rani, y un niño brahmán, interpretado por Ashok Kumar.

La siguiente fase notable del cine hindi está asociada con personalidades como Raj Kapoor, Bimal Roy y Guru Dutt. Hijo de Prithviraj Kapoor, Raj Kapoor creó algunas de las películas más admiradas y memorables del cine hindi.

Awaara (The Vagabond, 1951), Shri 420 (1955) y Jagte Raho (1957) fueron éxitos comerciales y críticos. Do Bigha Zamin de Bimal Roy, que muestra la influencia del neorrealismo italiano, exploró la dura vida del campesinado rural en las condiciones más duras. Mientras tanto, el cine hindi había visto el surgimiento de su primer genio reconocido, Guru Dutt, cuyas películas criticaban las convenciones de la sociedad y deploraban las condiciones que inducen a los artistas a renunciar a su inspiración. Desde Devdas de Barua (1935) hasta Sahib de Guru Dutt, Bibi aur Gulam, el motivo del "amor predestinado" cobra gran importancia: para muchos oponentes, un sentimentalismo sensiblero caracteriza incluso lo mejor del cine hindi antes de la llegada del cine indio nuevo o alternativo. en los 1970s.

Es indudable que bajo la influencia de cineastas bengalíes como Satyajit Ray, Ritwik Ghatak y Mrinal Sen, el cine indio, no solo en hindi, también comenzó a dar un giro algo diferente en la década de 1970 contra la corriente comercial. cine, caracterizado por rutinas de canto y baile, tramas insignificantes y dramas familiares. Ghatak se desempeñó como Director de la Escuela de Cine y Televisión en Pune, desde donde la primera generación de una nueva generación de cineastas y actores indios - Naseeruddin Shah, Shabana Azmi, Smita Patil y Om Puri entre los últimos fue a surgir.

Estos cineastas, como Shyam Benegal, Ketan Mehta, Govind Nihalani y Saeed Mirza, exhibieron una sensibilidad estética y política diferente y se inclinaron a explorar las contradicciones de casta y clase de la sociedad india, la naturaleza de la opresión sufrida por las mujeres, la las dislocaciones creadas por el industrialismo y la migración de las zonas rurales a las urbanas, el problema de la falta de tierra, la impotencia de los procedimientos ordinarios democráticos y constitucionales de reparación, etc.

El popular cine hindi se caracteriza por cambios importantes demasiado numerosos para recibir más que la más mínima mención. La rutina de cantar y bailar está ahora más sistematizada, más regular en sus patrones, el 'otro', ya sea en la forma del terrorista o del villano inalterable, tiene una presencia más lúgubre, el estado-nación está más obsesionado en sus demandas sobre nuestras lealtades y reverencias la diáspora india es una presencia más grande en la imaginación india y así sucesivamente. Estas son solo algunas consideraciones: cualquiera que desee descubrir el mundo del cine indio también debería replicar su presencia en los espacios indios, su relación con las formas de arte vernáculo y el arte de masas.

La industria cinematográfica india, conocida como Bollywood, es la más grande del mundo y tiene importantes estudios cinematográficos en Mumbai (Bombay), Calcuta, Chennai, Bangalore y Hyderabad. Entre ellos, producen más de 1000 películas al año para un público muy agradecido de todo el mundo. Durante casi 50 años, el cine indio ha sido la forma central de entretenimiento en la India, y con su mayor visibilidad y éxito en el extranjero, no pasará mucho tiempo hasta que la industria cinematográfica india esté bien pensada como su contraparte occidental. Hollywood. Los estrenos comerciales convencionales, sin embargo, continúan dominando el mercado, y no solo en la India, sino también en todos los lugares donde el cine indio tiene muchos seguidores, ya sea en gran parte del Caribe británico, Fiji, África del Este y del Sur, el Reino Unido, Estados Unidos, Canadá, etc. o el Medio Oriente.

India es conocida por su cine comercial, más conocido como Bollywood. Además del cine comercial, también existe el cine artístico indio, conocido por los críticos de cine como "Nuevo cine indio" o, a veces, "la nueva ola india" (véase la Enciclopedia del cine indio). Mucha gente en la India llama claramente a estas películas como "películas de arte" en contraposición al cine comercial convencional. Desde la década de 1960 hasta la de 1980, el cine de arte o el cine paralelo fue generalmente cine asistido por el gobierno.

El cine comercial es la forma de cine más popular en la India. Desde sus inicios, las películas comerciales indias han tenido un gran número de seguidores. El cine comercial o popular se hace no solo en hindi, sino también en muchos otros idiomas regionales del este y el sur de la India. Veamos algunas de las convenciones generales de las películas comerciales en India. Las películas comerciales, en cualquier idioma en el que se hagan, tienden a ser bastante largas (aproximadamente tres horas), con un intervalo. Otra característica importante del cine comercial en India es la música.

India alberga una de las industrias cinematográficas más grandes del mundo. Cada año se producen miles de películas en la India. La industria cinematográfica india se compone de películas hindi, películas regionales y cine de arte. La industria cinematográfica india está apoyada principalmente por un gran público indio que va al cine, aunque las películas indias han ido ganando popularidad en el resto del mundo, especialmente en países con un gran número de indios emigrantes.


Obituario de Georges Lautner

Desde los albores del cine, Francia ha producido de forma simultánea e ininterrumpida buenas películas convencionales y películas de autor. Georges Lautner, que murió a los 87 años, afirmó descaradamente que las casi 50 películas que dirigió entre 1958 y 1992 pertenecen a la primera categoría. Las películas de Lautner, principalmente policías y ladrones, se encontraban entre las películas más populares jamás realizadas en Francia.

"No quería la gloria ni hacer obras maestras, sino películas populares que agradarían al mayor número", explicó una vez. "El reconocimiento internacional no me interesaba. Me apasionaba lo que hacía con mi fiel equipo. Hicimos las películas que queríamos lo más rápido posible. Pero con el tiempo, mis películas comerciales parecen casi intelectuales".

Las películas subestimadas de Lautner nunca fueron invitadas a Cannes hasta que, en 2012, el festival organizó un tardío "Homenaje a Georges Lautner". Su muerte llevó al presidente François Hollande a declarar que sus películas se habían "convertido en parte del patrimonio cinematográfico de nuestro país". Algunos de ellos también recibieron el epíteto de "culto", en particular Les Tontons Flingueurs (1963), traducido de diversas formas en inglés como Monsieur Gangster o Crooks in Clover (literalmente, The Killer Uncles). Apenas unas semanas antes de la muerte de Lautner, una calle de Nantes se llamó Rue des Tontons Flingueurs, debido a una mención de un personaje llamado Lulu la Nantaise, evocado por Bernard Blier en una escena hilarante en la que un grupo de gánsteres se emborrona alrededor de una cocina. mesa.

los scène de la cuisine es uno de los más celebrados en Francia, el diálogo que muchos espectadores conocen de memoria, así como otras líneas escritas por Michel Audiard, un maestro del ingenioso y mordaz argot francés. Una línea en la película "Les cons ça ose tout. C'est même à ça qu'on les reconnaît"(" Los idiotas se atreven a todo. Así es como los reconocemos "), hablado por Lino Ventura, se ha convertido en parte del léxico francés, más o menos de la misma manera que el público británico todavía aprecia" ¡Infamia! ¡Infamia! ¡Todos me lo consiguieron! ", De Carry on Cleo.

Aparte de un thriller justificadamente olvidado, Presumed Dangerous (1990), con Robert Mitchum en un papel secundario, la única película en inglés de Lautner fue la extraña Road to Salina (1970) protagonizada por Mimsy Farmer, Robert Walker Jr y Rita Hayworth, filmada principalmente en Las Islas Canarias. Quentin Tarantino usó una canción de la película en Kill Bill Volume 2.

Lautner nació en Niza, hijo de un joyero y aviador vienés, y de Marie Louise Vittore quien, como Renée Saint-Cyr, fue una estrella de cine, apareciendo más tarde en 11 de las películas de su hijo. A la edad de siete años, Lautner se fue a París cuando su madre comenzó su carrera cinematográfica y descubrió el cine. Después de dejar la escuela, comenzó a conseguir trabajos ocasionales en los estudios. Un aprendizaje como asistente de dirección lo llevó a sus primeras películas como director.

Después de tres dramas tibios, Lautner encontró su fuerte con Le Monocle Noir (The Black Monocle, 1961), adaptado libremente de las memorias del coronel Rémy, un agente secreto durante la Segunda Guerra Mundial. Lautner lo convirtió en una comedia-thriller protagonizada por Paul Meurisse como un espía conocido como "el Monóculo", porque se cubrió el ojo ciego con un monóculo negro. La actuación deliciosamente excéntrica y burlona de Meurisse se repitió en secuelas igualmente exitosas: L'Oeil du Monocle (The Eye of the Monocle, 1962) y Le Monocle Rit Jaune (The Monocle, 1964).

Aunque Lautner continuó haciendo exitosas comedias paródicas durante la década de 1960, como Les Tontons Flingueurs y Les Barbouzes (The Great Spy Chase, 1964), ocasionalmente se desvió hacia el drama. De hecho, su película favorita fue Le Septième Juré (El séptimo jurado, 1962) sobre un hombre casado (Blier) que mata a una chica rechazando sus insinuaciones. Cuando su novio de mala reputación es acusado del crimen, él se encuentra en el jurado. Lautner maneja los giros de la trama y el final irónico con aplomo.

El melodrama de asesinatos Galia (1966) tuvo un estreno bastante rentable en Reino Unido y Estados Unidos, principalmente por la presencia desnuda de la exmodelo Mireille Darc, protagonista de una decena de películas de Lautner. De hecho, el director trató de mantener el mismo equipo de película en película: los actores Darc, Ventura, Blier, Francis Blanche y Jean Lefebvre, el escritor Audiard y el director de fotografía Maurice Fellous.

"Lo que le interesa es tener buenos actores y un buen escritor", remarcó Fellous. “Él decía: 'Si me haces una película hermosa, te tomarás una hora. Eso es dinero que no tendré para un mejor actor para el segundo o tercer papel'. Pero agregaba: 'En cada una de mis películas, tendrás una secuencia para divertirte' ".

Había muchas secuencias con las que el director de fotografía podía divertirse en animados dramas policiales como Le Pacha (Pasha, 1968), en el que Jean Gabin pone su presencia dominante como inspector de policía cansado del mundo Il Était une Fois un Flic (Flic Story, 1971) y Flic ou Voyou (Cop or Hood, 1979), esta última la primera de las cinco películas de Lautner protagonizadas por Jean-Paul Belmondo.

Uno de ellos, Le Professionnel (The Professional, 1981), el mayor éxito de taquilla de Lautner en los años 80, fue una entretenida película de acción con un enérgico Belmondo como agente secreto. El último largometraje de Lautner fue L'Inconnu dans la Maison (Un extraño en la casa, 1992) en el que Belmondo interpreta a un anciano abogado borracho que investiga un asesinato.

La esposa de Lautner, Caroline, a quien conoció en 1949, murió hace casi 20 años. Le sobreviven su hija Alice y su hijo Thomas.

Georges Lautner, director de cine, nacido el 24 de enero de 1926 murió el 22 de noviembre de 2013


Éxito del siglo XXI

Con los avances en tecnología, los estudios se sintieron más cómodos con la tecnología 3-D. Disney lanzó su película animada de 2005 "Chicken Little in 3-D" en casi 100 cines en los Estados Unidos. El año 2006 vio el lanzamiento de "Superman Returns: An IMAX 3-D Experience", que incluyó 20 minutos de metraje 2-D que se había "convertido" a 3-D, un proceso que permitió a los cineastas y estudios crear 3 Películas D que utilizan películas grabadas en 2-D. Una de las primeras películas en someterse a este proceso de conversión fue "La pesadilla antes de Navidad" de 1993, que se relanzó en una versión en 3-D en octubre de 2006.

Durante los siguientes tres años, los estudios lanzaron un flujo constante de películas en 3-D, particularmente películas animadas por computadora. Pero la película que cambió el juego fue "Avatar" de James Cameron, una epopeya de ciencia ficción de 2009 que utilizó lo que Cameron había aprendido sobre el cine en 3-D durante el rodaje de "Ghosts of the Abyss". "Avatar" se convirtió en la película más taquillera en la historia del cine y la primera película en recaudar más de $ 2 mil millones en todo el mundo.

Con el éxito de taquilla sin precedentes de "Avatar" y sus innovadores avances técnicos, el 3-D ya no se veía como un truco para las películas tontas. Con la esperanza de lograr el mismo éxito, otros estudios aumentaron su producción de películas en 3-D, a veces convirtiendo películas ya filmadas en 2-D en 3-D (como "Furia de titanes" de 2010). Para 2011, los multicines de todo el mundo habían convertido algunos o todos sus auditorios en teatros 3-D. La mayoría de los teatros utilizaron métodos de proyección desarrollados por la empresa de efectos visuales RealD para hacer esto.


Representación LatinX

Incluso hay algunas categorías de Oscar que la gente de LatinX aún tiene que llenar casi 100 años después de que se establecieron los Premios de la Academia. No sería hasta mediados del siglo XX que los artistas cinematográficos de LatinX obtendrían una atención destacada o se les daría la oportunidad de disfrutar del centro de atención cinematográfica y, lamentablemente, persistieron en ser ignorados en gran medida hasta hace muy poco.

Durante uno de los períodos más racistas de la historia de Estados Unidos, el actor Anthony Quinn se convirtió en el primer latinoamericano en ser nominado a un Oscar después de ganar uno en 1952 por ¡Viva Zapata! en la categoría de Mejor Actor de Reparto. En esa misma película, el actor blanco Marlon Brando interpretó al famoso revolucionario mexicano Emiliano Zapata. . Con todo su talento, Quinn también se convirtió en el primer actor de LatinX en ganar un Premio de la Academia después de obtener otra nominación en la misma categoría en 1956 por la biografía de Vincent Van Gogh. Codicia por vida . Un actor nacido en México no fue nominado para la misma categoría hasta 56 años después con la nominación de Demian Bichir por Una vida mejor en 2012.

Por alguna extraña razón, mediados de los cincuenta fue un período reconocible para los actores LatinX, porque la actriz latinoamericana Katy Jurado fue nominada a Mejor Actriz de Reparto en 1954 por Lanza rota . Aunque comenzarían a serlo poco después, en gran medida no había artistas LatinX reconocidos comercial o críticamente hasta ese momento. Desafortunadamente, la gran brecha entre las nominaciones al premio al Mejor Actor siguió a las de Mejor Actriz. .

Una actriz latina no volvió a ser nominada hasta 2006 con la actuación de Adriana Barraza en Alejandro G. Iñárritu, quien se convertiría en una pionera revolucionaria del cine latinoamericano, película Babel , que también protagonizó Brad Pitt y Cate Blanchett. Los actores latinos esperaron todo el camino hasta 2002 para alcanzar la categoría de Mejor Actriz Principal cuando Salma Hayek fue nominada por su interpretación de Frida Kahlo en Frida . Ella, lamentablemente, no ganó. En la historia de los Premios de la Academia, solo ocho actores LatinX han sido nominados a los mejores papeles principales y secundarios. Afortunadamente, muchos artistas de LatinX obtuvieron un merecido reconocimiento internacional, pero Hollywood continuó ignorándolos durante todo un siglo.

El final del siglo XX marcó el comienzo de una nueva ola de talento LatinX, con estrellas como Antonio Banderas y Salma Hayek, quienes pudieron penetrar los estereotipos de Hollywood y crear personajes e historias en profundidad desde una perspectiva LatinX que deslumbraron al público estadounidense, en oposición a un desprecio general por el talento de LatinX, o actores latinos que se utilizan como dispositivos para una gran parte de la historia de un hombre o mujer cis-blanco. Ahora que LatinX en pantalla estaba comenzando a cambiar, se estaba gestando una batalla difícil con los artistas LatinX fuera de la pantalla que no saldría de su burbuja hasta hace solo catorce años.


Los hermanos Lumière se alejan del cine

Auguste y Louis continuaron trabajando en desarrollos técnicos y en 1900 idearon una cámara que tomaba películas de 75 mm de gran formato. En 1905, sin embargo, los hermanos Lumière se retiraron del negocio del cine. En cambio, trabajaron en la invención del primer proceso de color fotográfico exitoso, el Lumière Autochrome, en 1907. Louis también trabajó en un proceso de cinematografía estereoscópica.

Los dos hermanos vivieron lo suficiente como para ser reconocidos como pioneros del cine en sus vidas. Como dijo Louis:

& # 8230 el 28 de diciembre de 1895, realmente nació la expresión: "He estado en una película".


10. Amanecer de los muertos casi presentó un final más oscuro.

Durante la producción en Amanecer de los muertos, Dijo George Romero Piedra rodante escritor Chet Flippo que la película tenía, en palabras de Flippo, "sin principio y dos finales". Romero explicó que esto se debía a que estaba trabajando “momento a momento” en la película. Finalmente, descubrió el comienzo de la película, por supuesto, y siguió con un final en el que Peter y Francine luchan para salir del centro comercial y subir al techo, donde escapan en el helicóptero. Entonces, ¿cuál fue el otro final?

En la pista de comentarios de la película, George, Chris Romero y Tom Savini discuten un concepto mucho más oscuro para cerrar la película, en el que Peter se habría disparado a sí mismo (lo que contempla hacer en el corte final) mientras que Francine habría saltado a las cuchillas giratorias. del helicóptero, reflejando una de las muertes de zombis más famosas al principio de la película. Ese final habría seguido los pasos de Noche de los muertos vivientesFinal oscuro, pero Romero finalmente se decidió por algo más ligero.

Aún así, el plan original no se desperdició: Savini ya había hecho un elenco de la cabeza de la actriz Gaylen Ross para usar en la escena de la muerte de Francine, por lo que la reutilizó, con la ayuda de un poco de maquillaje y una peluca, para la famosa cabeza explosiva. baleado durante la redada del proyecto de vivienda.

Fuentes adicionales:
Valor de impacto por Jason Zinoman (The Penguin Press, 2011)
Amanecer de los muertos Comentario en DVD (Anchor Bay, 2004)


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