Johnny Cash interpreta a la prisión estatal de San Quentin

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"Folsom Prison Blues" le dio a Johnny Cash su primer éxito country entre los 10 primeros en 1956, y su concierto en vivo en Folsom, dramatizado de manera memorable en la película. Caminar por la línea—Le dio a su decadente carrera un impulso crítico en 1968. Pero la prisión con la que Johnny Cash estaba más estrechamente asociado no era Folsom, era San Quentin, una penitenciaría de máxima seguridad en las afueras de San Francisco. En San Quentin es donde Cash tocó su primer concierto en prisión el 1 de enero de 1958, un concierto que ayudó a que Merle Haggard, entonces una reclusa de 20 años de San Quentin, se encaminara a convertirse en una leyenda de la música country.

Haggard era un producto de Bakersfield, California, una ciudad dura del Valle Central que fue la última parada para decenas de miles de agricultores y trabajadores blancos pobres que emigraron al oeste durante las décadas de 1930, 40 y 50 en busca de trabajo en las fábricas, campos agrícolas. y campos petrolíferos de California. Estos habitantes de Oklahoma, tejanos y otros a los que se hace referencia con el término general "Okies" trajeron consigo un amor por la música country, y no cualquier música country, sino "música fuerte que suena hasta todas las horas", como cantaba Wynn Stewart en su país de 1962. presione "Cómo vive la otra mitad". Merle Haggard eventualmente se convertiría en la arquitecta de Bakersfield Sound, de conducción dura y sencilla, que sacudió al establecimiento de Nashville en la década de 1960. Pero no antes de que él chocara con el establecimiento legal de formas sobre las que la mayoría de los cantantes de country solo cantan.

Haggard cumplió su primer período en la cárcel a los 11 años, cuando su madre lo entregó a las autoridades juveniles por "incorregible". Cuando era adolescente, Haggard fue a la cárcel al menos tres veces más y salió por escape al menos una vez. En 1957, a la edad de 18 años, Haggard fue arrestado por un cargo de robo y sentenciado a 15 años en San Quentin. Sin embargo, terminó cumpliendo solo dos años de esa sentencia, y le da crédito a Cash por haberle inspirado para lanzar una carrera después de la prisión que incluyó 38 éxitos # 1 en las listas de éxitos del país, incluyendo "Sing Me Back Home", "Okie From Muskogee ”y“ Hoy empecé a amarte de nuevo ”. Sobre el debut de Johnny Cash en prisión, Haggard dijo lo siguiente: “Tenía la actitud correcta. Masticó chicle, lució arrogante y lanzó el pájaro a los guardias; hizo todo lo que los prisioneros querían hacer. Era una madre mala del sur que estaba allí porque nos amaba. Cuando se fue, todos en ese lugar se habían convertido en fanáticos de Johnny Cash ".

LEER MÁS: Por qué los grupos de odio persiguieron a Johnny Cash en la década de 1960


Escoge un día

2013 Por primera vez en 41 años, llega el Año Nuevo sin Dick Clark, quien falleció en 2012. Clark, presentador de Quiosco de música estadounidense entre muchos años de entretenimiento en televisión y radio, alojado Nochevieja de Dick Clark desde 1972 hasta 2012, incluso haciendo videollamadas desde su cama de hospital mientras se recuperaba de un derrame cerebral en sus últimos años. El espectáculo continúa con muchos homenajes conmemorativos a Clark, ya que su protegido Ryan Seacrest asume el cargo de nuevo presentador.

2005 "I Don't Want To Be" de Gavin DeGraw, el tema principal del popular drama adolescente One Tree Hill, alcanza el puesto número 10 en el Hot 100 en medio de la segunda temporada del programa. Más

1990 La estación de radio de Clearwater, Florida, WKRL se convierte en la primera estación "All Led Zeppelin", iniciando el cambio de formato con 24 horas seguidas de "Stairway To Heaven". La rotación de todos los Zep dura dos semanas, después de lo cual se convierten más en una estación de Rock clásico tradicional (también cambian sus letras de identificación a WXTB).

1975 Stevie Nicks y Lindsey Buckingham se unen oficialmente a Fleetwood Mac, trayendo consigo las canciones "Rhiannon" y "Landslide".

1972 Three Dog Night se convierte en la primera banda de rock en montar en carroza en el desfile del Rose Bowl. Tres de sus éxitos (incluido "Joy To The World") se reproducen en un bucle mientras recorren la ruta.

1967 Como agradecimiento a los ciudadanos de San Francisco que ayudaron a recaudar dinero para la fianza de dos de sus miembros que fueron encarcelados el día anterior durante un desfile, los Hells Angels organizan un concierto en el Golden Gate Park con actuaciones de Grateful Dead y Big Brother. & the Holding Company (cantante principal: Janis Joplin). El evento recibe el nombre de "Lamento de Año Nuevo".

1966 Simon & Garfunkel se reúnen después de que una versión reelaborada de su canción "The Sound Of Silence" alcanza el número 1 en los Estados Unidos. Más

1964 BBC-TV estrena un nuevo programa de variedades musicales titulado Top Of The Pops, iniciado con "I Wanna Be Your Man" de The Rolling Stones, seguido de actuaciones sincronizadas con los labios de Dusty Springfield, The Dave Clark Five, The Hollies y The Swinging Blue Jeans. Más

1940 W2XDG en Nueva York se convierte en la primera estación de FM con licencia y comienza a transmitir desde el Empire State Building.


Fotos recientemente publicadas documentan las actuaciones históricas de Johnny Cash en la prisión

SAN FRANCISCO (KPIX) & # 8212 Hace cincuenta años, el difunto Johnny Cash subió a un escenario en una cafetería en la prisión estatal de Folsom y cantó con todo su corazón a cientos de presos. A su lado: un fotógrafo legendario del Área de la Bahía.

KPIX tiene una mirada exclusiva a las fotografías recién publicadas del histórico evento musical. Algunos nunca han sido vistos por el público y se exhiben en una exhibición en el San Francisco Art Exchange.

La exhibición incluye docenas de fotografías del fenomenal músico mientras actuaba en la prisión de Folsom en 1968 y luego en la prisión estatal de San Quentin en 1969.

& # 8220Hay & # 8217s una serie de fotografías que nadie ha visto antes & # 8221, dijo el cofundador y director creativo de la galería, Theron Kabrich. & # 8220Los aficionados a la actuación no saben ni siquiera que estas fotografías existen. & # 8221

Cada momento de los legendarios conciertos fue fotografiado por el difunto Jim Marshall, en quien Cash eligió y confiaba en él.

& # 8220 Jim era muy buen amigo de Johnny Cash. Ya habían desarrollado una amistad y los dos se unieron porque eran dos seres humanos defectuosos que realmente vivían sus vidas de la manera que querían sin excusas '', explicó Amelia Davis. Davis es el único beneficiario de Jim Marshall Estate. Marshall murió en 2010.

Después de la muerte de Marshall, Davis revisó sus imágenes y hojas de prueba y quedó asombrado.

Ella dijo que tomaría un rollo de película y luego elegiría la que quería imprimir. Pero, como descubrió, había innumerables imágenes que eran hermosas y ha decidido publicarlas para que todos las disfruten. El último libro es & # 8220Johnny Cash en Folsom y San Quentin: fotografías de Jim Marshall & # 8221 y será publicado el 24 de julio por Reel Art Press y BMG Books.

Tanto Cash como Marshall tenían problemas con la ley. El músico padecía una severa adicción a las drogas y un comportamiento autodestructivo. El fotógrafo estaba en libertad condicional por disparar contra un hombre en el momento de los conciertos de la prisión de Folsom.

Davis dijo que Cash era un firme defensor de la reforma penitenciaria y los derechos de los presos. El músico se identificó con los desvalidos y sintió el poder de la redención.

Johnny Cash en la capilla de la prisión de Folsom. (Foto: Jim Marshall)

Una foto significativa que Marshall capturó de Cash: una rara impresión en color del músico apoyado contra la puerta que conduce a Greystone Chapel, la capilla de la prisión. Un preso llamado Glen Sherley escribió una canción al respecto y se la envió a Cash.

Poco sabía el recluso que Cash interpretaría la canción en Folsom mientras Sherley se sentaba en la primera fila.

Después de la canción, Marshall capturó una toma fugaz de Cash en sus pies dándole la mano a una sonriente Sherley.

Kabrich señaló otra fotografía que le encantaba: Johnny Cash parado afuera de Folsom en un cruce de peatones.

& # 8220 & # 8217 tienes estos marcadores blancos en todo el camino y normalmente lo equiparamos con un paso de peatones, algo así como Abbey Road con los Beatles caminando por Abbey Road para el álbum, & # 8221, dijo Kabrich. Pero este paso de peatones no era Abbey Road.

& # 8220Si usted & # 8217 está caminando sobre esto, en realidad está entrando directamente en la prisión de Folsom & # 8221, dijo.


La reclusa Merle Haggard escucha a Johnny Cash jugar en la prisión estatal de San Quentin

Haggard cumplió su primer período en la cárcel a los 11 años, cuando su madre lo entregó a las autoridades juveniles por "incorregible". Cuando era adolescente, Haggard fue a la cárcel al menos tres veces más y salió por escape al menos una vez. En 1957, a la edad de 18 años, Haggard fue arrestado por un cargo de robo y sentenciado a 15 años en San Quentin. Sin embargo, terminó cumpliendo solo dos años de esa sentencia, y le da crédito a Cash por haberle inspirado para lanzar una carrera después de la prisión que incluyó 38 éxitos # 1 en las listas de éxitos del país, incluyendo "Sing Me Back Home", "Okie From Muskogee ”y“ Hoy empecé a amarte de nuevo ”. Sobre el debut de Johnny Cash en prisión, Haggard dijo lo siguiente: “Tenía la actitud correcta. Masticó chicle, lució arrogante y lanzó el pájaro a los guardias; hizo todo lo que los prisioneros querían hacer. Era una madre mala del sur que estaba allí porque nos amaba. Cuando se fue, todos en ese lugar se habían convertido en fanáticos de Johnny Cash ".


Desde & # 8220I Walk the Line & # 8221 hasta & # 8220Forty Shades of Green & # 8221, Johnny Cash era un simple tesoro. El artista de música country vendió millones de discos y se convirtió en un producto candente. Una de sus canciones más queridas es la canción de 1955 & # 8220Folsom Prison Blues, & # 8221, que se inspiró en la película. Dentro de los muros de la prisión de Folsom. TLa canción llevó a miles de reclusos a querer atrapar a la estrella en vivo. Las solicitudes llevaron a su primera actuación en la prisión en la Prisión Estatal de San Quentin el 1 de enero de 1958.

Por esa época, Cash tuvo la visión de grabar un álbum en vivo frente a los prisioneros. Desafortunadamente, esa visión fue arrojada a un lado para una gran cantidad de álbumes de estudio. Las cosas dieron un giro en 1967 cuando esta idea fue presentada a su sello discográfico.


Defensa de la reforma penitenciaria

Una exhibición en línea en el sitio web de la Biblioteca Estatal de California destaca parte de la defensa de la reforma penitenciaria de Cash, con enlaces a imágenes de sus visitas con no menos de seis presidentes de EE. UU. El sitio también tiene enlaces a testimonios en el Congreso de una sesión en la que Cash presentó a los legisladores a ex presos para escuchar sus historias. El músico se sentó frente a miembros del Congreso justo en la cima de su fama después de los álbumes de conciertos en vivo de Folsom y San Quentin. El video de archivo lo muestra tratando de redirigir al presidente Reagan hacia una discusión sobre la reforma. En cambio, Reagan parece estar preocupado por cierto conflicto centroamericano. Cash escribió en su autobiografía que oró con el presidente Carter. El concierto del presidente Nixon se convirtió en tema de máxima audiencia cuando Nixon solicitó públicamente que Cash tocara dos canciones muy controvertidas: "Okie from Muskogee" de Haggard y "Welfare Cadillac" de Guy Drake. Ambas canciones pueden haber sido concebidas originalmente como una sátira, pero fuera de contexto, muchas personas las interpretaron como muy insultantes para comunidades particulares, especialmente para los manifestantes de la guerra de Vietnam y los destinatarios desfavorecidos de los programas de servicio social de la Gran Sociedad. En años posteriores, Cash insistió en que eligió una música diferente para el concierto de Nixon porque no conocía las otras canciones lo suficientemente bien como para un concierto presidencial. En su lugar, tocó "What is Truth" con un segundo verso muy anti-guerra, "El hombre de negro", nuevamente anti-guerra, con un empujón hacia Vietnam con la línea "Cada semana perdemos a cien buenos jóvenes". Su final fue "La balada de Ira Hayes", una saga de la vida real Ira Hayes, un joven nativo americano que izó la bandera en Iwo Jima pero que encontró que la pobreza y el trauma de la posguerra eran demasiado y murió joven de alcoholismo. Un documental reciente, ReMastered: Tricky Dick and the Man in Black en Netflix, utiliza imágenes de noticias para mostrar cuán explosivos habrían sido estos intercambios en la mentalidad estadounidense en ese momento. La pregunta, "¿Qué jugará Cash?" se convirtió en un tema político candente y noticioso a las seis en punto. Si Cash fue honesto en el sentido de que no tenía el tiempo o el talento para adaptarse a las otras canciones por sí mismo, o si tocó música a propósito que habría sido un apoyo sutil para las nociones izquierdistas en ese momento, es algo que tomó en cuenta. su tumba. Pero aprovechó la atención en ese momento para las discusiones sobre el tema de la promoción de la reforma penitenciaria. Su concierto para Nixon tuvo lugar casi al mismo tiempo que testificó frente al Congreso. “He visto y oído cosas en algunos de los conciertos que helarían la sangre del ciudadano medio”, dijo Cash al Subcomité de Penitenciarías Nacionales. “Pero creo que posiblemente la sangre del ciudadano medio deba enfriarse para que surja la apatía y la convicción públicas porque ahora mismo tenemos problemas de 1972 y cárceles de 1872 ... La gente tiene que preocuparse para que se lleve a cabo la reforma penitenciaria . "


Se convirtió en ministro ordenado

Cash era conocido por su imagen de & # x201Coutlaw & # x201D basada en su reputación como un demonio, particularmente en los años 60, cuando destrozaba habitaciones de hotel, conducía su Jeep mientras tomaba pastillas y tenía problemas con la policía. Este período de su vida llegó a un punto crítico cuando lo sacaron del Grand Ole Opry por arrastrar un pie de micrófono a través de las candilejas del escenario en un arranque de mal genio, faltándole el respeto a la & # x201Cmother church & # x201D de la música country. Luego, chocó con su auto contra un poste de electricidad, le rompió varios dientes y se rompió la nariz. La mayoría de los excesos de comportamiento de Cash & # x2019 fueron el resultado del abuso de drogas.

Una vez que se volvió a casar con June Carter de la famosa familia Carter en 1968, Cash comenzó un reexamen de su vida durante décadas y una re-dedicación a sus raíces cristianas. Esto culminó con dos años y medio de estudio a fines de los años 70, luego de los cuales recibió una licenciatura en teología y se convirtió en ministro. Fue alentado en sus estudios por el reverendo Billy Graham, quien se convirtió en un amigo cercano de la familia Cash durante estos años. Aunque nunca intentó reunir a una congregación o desempeñar un papel rector en los servicios de la iglesia, Cash presidió la boda de su hija Karen. Convertirse en ministro fue la máxima expresión del sentimiento religioso que caracterizó gran parte de su vida.


Contenido

Cash nació J. R. Cash en Kingsland, Arkansas, el 26 de febrero de 1932, [16] [17] hijo de Carrie Cloveree (de soltera Rivers) y Ray Cash. Tenía tres hermanos mayores, llamados Roy, Margaret Louise y Jack, y tres hermanos menores, llamados Reba, Joanne y Tommy (quien también se convirtió en un exitoso artista country). [18] [19] Era principalmente de ascendencia inglesa y escocesa. [20] [21] [22] Su abuela paterna también afirmó tener ascendencia cherokee, aunque una prueba de ADN de la hija de Cash, Rosanne, descubrió que no tenía marcadores de nativos americanos conocidos. [23] [24] Rastreó su apellido escocés hasta Fife del siglo XI después de reunirse con el entonces laird de Falkland, el comandante Michael Crichton-Stuart. [25] [26] [27] Cash Loch y otros lugares en Fife llevan el nombre de su familia. [25] Es un primo lejano del político conservador británico Sir William Cash. [28] Su madre quería llamarlo John y su padre prefirió llamarlo Ray, por lo que J. R. terminó siendo el único compromiso en el que pudieron ponerse de acuerdo. [29] Cuando Cash se alistó en la Fuerza Aérea, no se le permitió usar iniciales como primer nombre, por lo que lo cambió a John R. Cash. En 1955, cuando firmó con Sun Records, comenzó a usar el nombre de Johnny Cash. [9]

En marzo de 1935, cuando Cash tenía tres años, la familia se instaló en Dyess, Arkansas, una colonia del New Deal establecida para brindar a las familias pobres la oportunidad de trabajar la tierra que luego podrían poseer. [30] Desde los cinco años, trabajó en los campos de algodón con su familia, cantando con ellos mientras trabajaban. La granja Cash en Dyess experimentó una inundación, lo que llevó a Cash más tarde a escribir la canción "Five Feet High and Rising". [31] Las luchas económicas y personales de su familia durante la Gran Depresión le dieron una simpatía de por vida por los pobres y la clase trabajadora, e inspiraron muchas de sus canciones.

En 1944, [32] el hermano mayor de Cash, Jack, con quien era cercano, fue cortado casi en dos por una sierra de mesa sin vigilancia en el trabajo y murió una semana después. [33] Según su autobiografía, él, su madre y Jack tenían un presentimiento sobre ese día en que su madre instó a Jack a faltar al trabajo e ir a pescar con Cash, pero Jack insistió en trabajar ya que la familia necesitaba el dinero. Cash a menudo hablaba de la culpa que sentía por el incidente y hablaba de estar ansioso por "encontrarme con [su] hermano en el cielo". [9]

Los primeros recuerdos de Cash estaban dominados por la música gospel y la radio. Enseñado guitarra por su madre y un amigo de la infancia, Cash comenzó a tocar y escribir canciones a la edad de 12 años. Cuando era joven, Cash tenía una voz de alto tenor, antes de convertirse en un barítono bajo después de que su voz cambiara. [34] En la escuela secundaria, cantó en una estación de radio local. Décadas más tarde, lanzó un álbum de canciones tradicionales de gospel llamado El libro de himnos de mi madre. También estuvo significativamente influenciado por la música tradicional irlandesa, que oía interpretada semanalmente por Dennis Day en el programa de radio Jack Benny. [35]

Cash se alistó en la Fuerza Aérea el 7 de julio de 1950. [36] Después del entrenamiento básico en la Base de la Fuerza Aérea Lackland y el entrenamiento técnico en la Base de la Fuerza Aérea Brooks, ambos en San Antonio, Texas, Cash fue asignado al 12 ° Escuadrón de Radio Móvil de la Servicio de Seguridad de la Fuerza Aérea de EE. UU. En Landsberg, Alemania Occidental. Trabajó como operador de código Morse interceptando transmisiones del ejército soviético. [37] Mientras copiaba las transmisiones soviéticas, Cash se enteró de la muerte del primer ministro soviético Stalin. [38] [ fuente poco confiable? ] Mientras estaba en Landsberg, creó su primera banda, "The Landsberg Barbarians". [39] El 3 de julio de 1954, fue dado de baja honorablemente como sargento y regresó a Texas. [40] Durante su servicio militar, adquirió una cicatriz distintiva en el lado derecho de la mandíbula como resultado de una cirugía para extirpar un quiste. [41] [42]

Carrera temprana

En 1954, Cash y Vivian se mudaron a Memphis, Tennessee, donde vendió electrodomésticos mientras estudiaba para ser locutor de radio. Por la noche, tocaba con el guitarrista Luther Perkins y el bajista Marshall Grant. Perkins y Grant eran conocidos como los Dos de Tennessee. Cash se armó de valor para visitar el estudio de Sun Records, con la esperanza de conseguir un contrato de grabación. [43] Hizo una audición para Sam Phillips cantando principalmente canciones gospel, solo para enterarse del productor que ya no grababa música gospel.Se rumoreaba que Phillips le había dicho a Cash que "se fuera a casa y pecara, luego volviera con una canción que pueda vender", aunque en una entrevista de 2002, Cash negó que Phillips hubiera hecho tal comentario. [44] Cash finalmente se ganó al productor con nuevas canciones entregadas en su estilo rockabilly temprano. En 1955, Cash hizo sus primeras grabaciones en Sun, "Hey Porter" y "Cry! Cry! Cry!", Que fueron lanzadas a finales de junio y tuvieron éxito en el hit parade country.

El 4 de diciembre de 1956, Elvis Presley se acercó a Phillips mientras Carl Perkins estaba en el estudio grabando nuevas pistas, con Jerry Lee Lewis apoyándolo en el piano. Cash también estaba en el estudio, y los cuatro comenzaron una improvisada sesión de improvisación. Phillips dejó las cintas funcionando y las grabaciones, casi la mitad de las cuales eran canciones gospel, sobrevivieron. Desde entonces han sido lanzados bajo el título Cuarteto del millón de dólares. En Efectivo: la autobiografíaCash escribió que él era el más alejado del micrófono y cantó en un tono más alto para mezclarse con Elvis.

El siguiente disco de Cash, "Folsom Prison Blues", se ubicó entre los cinco primeros del país. Su "I Walk the Line" se convirtió en el número uno en las listas de música country y entró en el top 20. "Home of the Blues", grabado en julio de 1957. Ese mismo año, Cash se convirtió en el primer artista de Sun en lanzar un álbum de larga duración. jugando álbum. Aunque era el artista más prolífico y de ventas de Sun en ese momento, Cash se sentía limitado por su contrato con el pequeño sello. Phillips no quería que Cash grabara gospel y le estaba pagando una regalía del 3% en lugar de la tasa estándar del 5%. Presley ya había dejado Sun y Phillips estaba centrando la mayor parte de su atención y promoción en Lewis.

En 1958, Cash dejó Phillips para firmar una lucrativa oferta con Columbia Records. Su sencillo "Don't Take Your Guns to Town" se convirtió en uno de sus mayores éxitos y grabó una colección de canciones gospel para su segundo álbum para Columbia. Sin embargo, Cash dejó una acumulación suficiente de grabaciones con Sun de las que Phillips continuó lanzando nuevos singles y álbumes, con material inédito hasta 1964. Cash estaba en la inusual posición de tener nuevos lanzamientos en dos sellos al mismo tiempo. El lanzamiento de Sun en 1960, una versión de "Oh Lonesome Me", llegó al número 13 en las listas de C & ampW.

(Cuando RCA Victor firmó con Presley, también compró sus masters de Sun Records, pero cuando Cash se fue a Columbia, Phillips retuvo los derechos de los masters de Sun del cantante. Columbia finalmente obtuvo la licencia de algunas de estas grabaciones para su publicación en compilaciones después de la muerte de Cash).

Al principio de su carrera, sus compañeros artistas le dieron a Cash el apodo de "The Undertaker" debido a su hábito de usar ropa negra. Dijo que los eligió porque eran más fáciles de mantener limpios en recorridos largos. [45]

A principios de la década de 1960, Cash realizó una gira con la familia Carter, que en ese momento incluía regularmente a las hijas de Mother Maybelle, Anita, June y Helen. June recordó más tarde haberlo admirado desde lejos durante estas giras. En la década de 1960, apareció en la serie de televisión de corta duración de Pete Seeger. Rainbow Quest. [46] También actuó, escribió y cantó el tema de apertura de una película de 1961 titulada Cinco minutos para vivir, luego relanzado como Maniaco puerta a puerta.

La carrera de Cash estuvo a cargo de Saul Holiff, un promotor de London, Ontario. Su relación fue el tema de la película biográfica del hijo de Saúl. Mi padre y el hombre de negro. [47]

Imagen de forajido

A medida que su carrera despegaba a fines de la década de 1950, Cash comenzó a beber en exceso y se volvió adicto a las anfetaminas y barbitúricos. Por un breve tiempo, compartió un apartamento en Nashville con Waylon Jennings, quien era profundamente adicto a las anfetaminas. Cash usaba los estimulantes para mantenerse despierto durante los recorridos. Los amigos bromeaban sobre su "nerviosismo" y su comportamiento errático, muchos ignorando las señales de advertencia de su empeoramiento de la adicción a las drogas.

Aunque en muchos sentidos estaba perdiendo el control, Cash aún podía ofrecer éxitos debido a su frenética creatividad. Su interpretación de "Ring of Fire" fue un éxito cruzado, alcanzando el número uno en las listas de países y entrando en el top 20 en las listas de éxitos. Originalmente fue interpretada por la hermana de June, pero Cash proporcionó el arreglo característico de los cuernos al estilo mariachi. [48] ​​Dijo que le había llegado en un sueño. Vivian Liberto reclamó una versión diferente de los orígenes de "Ring of Fire". En su libro Caminé por la línea: mi vida con JohnnyLiberto dice que Cash le dio a Carter la mitad del crédito de composición por razones monetarias. [49]

En junio de 1965, la caravana de Cash se incendió durante un viaje de pesca con su sobrino Damon Fielder en el Bosque Nacional Los Padres en California, provocando un incendio forestal que quemó varios cientos de acres y casi causó su muerte. [50] [51] Cash afirmó que el incendio fue causado por chispas de un sistema de escape defectuoso en su caravana, pero Fielder cree que Cash inició un incendio para mantenerse caliente y en su condición de drogado no notó que el fuego se salía de control. [52] Cuando el juez le preguntó a Cash por qué lo hizo, Cash dijo: "Yo no lo hice, mi camión lo hizo y está muerto, por lo que no puede cuestionarlo". [53]

El incendio destruyó 508 acres (206 ha), quemó el follaje de tres montañas y ahuyentó a 49 de los 53 cóndores de California en peligro de extinción del refugio. [54] Cash no se arrepintió y afirmó: "No me importan tus malditos buitres amarillos". [55] El gobierno federal lo demandó y recibió $ 125,172. Cash finalmente resolvió el caso y pagó $ 82,001. [56] A partir de 2018, hay 488 cóndores de California que viven en estado salvaje o en cautiverio. [57]

Aunque Cash cultivó una imagen romántica de forajido, nunca cumplió una sentencia de prisión. A pesar de haber sido encarcelado siete veces por delitos menores, se quedó solo una noche en cada estadía. El 11 de mayo de 1965, fue arrestado en Starkville, Mississippi, por entrar sin autorización a altas horas de la noche a una propiedad privada para recoger flores. (Usó esto para escribir la canción "Starkville City Jail", de la que habló en su En San Quentin álbum.) [58] Mientras estaba de gira ese año, fue arrestado el 4 de octubre en El Paso, Texas, por un escuadrón de narcóticos. Los oficiales sospecharon que estaba traficando heroína desde México, pero en cambio encontraron 688 cápsulas de Dexedrine (anfetaminas) y 475 tabletas de Equanil (sedantes o tranquilizantes) que el cantante había escondido dentro de su estuche de guitarra. Debido a que las píldoras eran medicamentos recetados en lugar de narcóticos ilegales, recibió una sentencia suspendida. Cash pagó una fianza de $ 1,500 y luego fue liberado hasta su comparecencia. [59]

En este período de mediados de la década de 1960, Cash lanzó una serie de álbumes conceptuales. Su Lágrimas amargas (1964) se dedicó a la palabra hablada y las canciones que abordan la difícil situación de los nativos americanos y el maltrato por parte del gobierno. Si bien inicialmente alcanzó las listas de éxitos, este álbum se encontró con la resistencia de algunos fanáticos y estaciones de radio, que rechazaron su controvertida visión de los problemas sociales. En 2011, se publicó un libro al respecto, lo que llevó a una regrabación de las canciones de artistas contemporáneos y la realización de un documental sobre los esfuerzos de Cash con el álbum. Esta película se emitió en PBS en febrero y noviembre de 2016. Su Canta las baladas del verdadero oeste (1965) fue un doble disco experimental, que mezclaba auténticas canciones fronterizas con la narración hablada de Cash.

Alcanzando un punto bajo con su severa adicción a las drogas y su comportamiento destructivo, Cash se divorció de su primera esposa y se cancelaron las actuaciones, pero continuó teniendo éxito. En 1967, el dúo de Cash con June Carter, "Jackson", ganó un premio Grammy. [60]

Cash fue arrestado por última vez en 1967 en el condado de Walker, Georgia, después de que la policía descubriera que llevaba una bolsa de pastillas recetadas y tuvo un accidente automovilístico. Cash intentó sobornar a un diputado local, quien rechazó el dinero. El cantante fue encarcelado por la noche en LaFayette, Georgia. El alguacil Ralph Jones lo liberó después de darle una larga charla, advirtiéndole sobre el peligro de su comportamiento y su potencial desperdiciado. Cash le dio crédito a esa experiencia por haberlo ayudado a dar la vuelta y salvar su vida. Más tarde regresó a LaFayette para tocar en un concierto benéfico que atrajo a 12,000 personas (la población de la ciudad era menos de 9,000 en ese momento) y recaudó $ 75,000 para la escuela secundaria. [61] Reflexionando sobre su pasado en una entrevista de 1997, Cash señaló: "Estuve tomando las pastillas por un tiempo, y luego las pastillas empezaron a tomarme". [62] June, Maybelle y Ezra Carter se mudaron a la mansión de Cash durante un mes para ayudarlo a dejar las drogas. Cash le propuso salir al escenario hasta el 22 de febrero de 1968 en un concierto en London Gardens en London, Ontario, Canadá. La pareja se casó una semana después (el 1 de marzo) en Franklin, Kentucky. Ella había accedido a casarse con Cash después de que él se hubiera "limpiado". [63]

El viaje de Cash incluyó el redescubrimiento de su fe cristiana. Recibió un "llamado al altar" en Evangel Temple, una pequeña iglesia en el área de Nashville, pastoreada por el reverendo Jimmie Rodgers Snow, hijo de la leyenda de la música country Hank Snow. Sin embargo, según Marshall Grant, Cash no dejó de consumir anfetaminas por completo en 1968. Cash no acabó con todo el consumo de drogas hasta 1970, permaneciendo libre de drogas durante un período de siete años. Grant afirma que el nacimiento del hijo de Cash, John Carter Cash, inspiró a Cash a poner fin a su dependencia. [64]

Cash comenzó a usar anfetaminas nuevamente en 1977. En 1983, se volvió profundamente adicto y se convirtió en paciente de la Clínica Betty Ford en Rancho Mirage para recibir tratamiento. Se mantuvo alejado de las drogas durante varios años, pero recayó. Para 1989, era dependiente y entró en el Centro de Tratamiento de Alcohol y Drogas de Cumberland Heights de Nashville. En 1992, comenzó a recibir atención en el Centro de Medicina del Comportamiento de Loma Linda en Loma Linda, California, para su tratamiento de rehabilitación final. (Varios meses después, su hijo lo siguió a esta instalación para recibir tratamiento). [65] [66]

Folsom y otros conciertos carcelarios

Cash comenzó a realizar conciertos en las cárceles a fines de la década de 1950. Tocó su primer concierto famoso en la prisión el 1 de enero de 1958, en la prisión estatal de San Quentin. [67] Estas actuaciones dieron lugar a un par de álbumes en vivo de gran éxito, Johnny Cash en la prisión de Folsom (1968) y Johnny Cash en San Quentin (1969). Ambos álbumes en vivo alcanzaron el número uno en Cartelera música del álbum country y este último se cruzó para llegar a la cima de la Cartelera gráfico de álbumes pop. En 1969, Cash se convirtió en un éxito internacional cuando eclipsó incluso a The Beatles al vender 6,5 millones de álbumes. [68] En comparación, los conciertos de la prisión fueron mucho más exitosos que sus últimos álbumes en vivo, como Pastel de fresa grabado en Londres y Vivir en el Madison Square Garden, que alcanzaron los números 33 y 39 en las listas de álbumes, respectivamente.

El disco de Folsom Prison se introdujo con una interpretación de su "Folsom Prison Blues", mientras que el disco de San Quentin incluía el sencillo crossover "A Boy Named Sue", una novedad de Shel Silverstein que alcanzó el número uno en las listas de éxitos de country y el número dos en las listas de éxitos del top 10 de EE. UU. Las versiones AM de este último contenían blasfemias que fueron eliminadas de la versión transmitida. Las versiones modernas de CD no están editadas, lo que las hace más largas que en los álbumes de vinilo originales, aunque conservan las sobregrabaciones de reacción del público de los originales.

Cash actuó en la prisión de Österåker en Suecia en 1972. El álbum en vivo På Österåker (En Österåker) fue lanzado en 1973. "San Quentin" fue grabado con Cash reemplazando "San Quentin" por "Österåker". En 1976, un concierto en la prisión estatal de Tennessee fue grabado en video para su transmisión por televisión y recibió un CD tardío después de la muerte de Cash como Un concierto detrás de los muros de la prisión.

Activismo para los nativos americanos

En 1965, Cash y June Carter aparecieron en el programa de televisión de Pete Seeger, Rainbow Quest, en el que Cash explicó su comienzo como activista de los nativos americanos:

En el '57, escribí una canción llamada 'Old Apache Squaw' y luego me olvidé de la llamada protesta india por un tiempo, pero nadie más parecía hablar con volumen de voz. [69]

Columbia, el sello para el que Cash estaba grabando entonces, se opuso a poner la canción en su próximo álbum, considerándola "demasiado radical para el público". [70] Cash cantando canciones de la tragedia india y la violencia de los colonos fue radicalmente contra la corriente principal de la música country en la década de 1950, que estaba dominada por la imagen del vaquero justo que simplemente hace suyo el suelo de los nativos. [71]

En 1964, saliendo de la lista de éxitos de su álbum anterior. Camino la linea, grabó el álbum antes mencionado Lágrimas amargas: baladas del indio americano.

Todavía estamos aquí: las lágrimas amargas de Johnny Cash revisadas, un documental de Antonino D'Ambrosio (autor de Un corazón y una guitarra: Johnny Cash y la creación de lágrimas amargas) cuenta la historia del controvertido álbum conceptual de Johnny Cash "Bitter Tears: Ballads of the American Indian", que cubre las luchas de los nativos americanos. El DVD de la película se lanzó el 21 de agosto de 2018. [72]

El álbum incluía historias de una multitud de pueblos indígenas, en su mayoría de su violenta opresión por parte de los colonos blancos: el Pima ("La balada de Ira Hayes"), Navajo ("Navajo"), Apache ("Apache Tears"), Lakota (" Big Foot "), Séneca (" Mientras crezca la hierba ") y Cherokee (" Hojas parlantes "). Cash escribió tres de las canciones él mismo y una con la ayuda de Johnny Horton, pero la mayoría de las canciones de protesta fueron escritas por el artista folk Peter La Farge [73] (hijo del activista y ganador del premio Pulitzer Oliver La Farge), a quien Cash conoció en Nueva York en la década de 1960 y a quien admiraba por su activismo. [74] El sencillo del álbum, "The Ballad of Ira Hayes" (sobre Ira Hayes, uno de los seis que izaron la bandera estadounidense en Iwo Jima), fue descuidado por la radio no política en ese momento, y el sello discográfico le negó cualquier promoción. debido a su naturaleza provocativa de protesta y "desagradable". [75] Cash se enfrentó a la resistencia e incluso un editor de una revista de música country le instó a dejar la Asociación de Música Country: "Tú y tu público son demasiado inteligentes para asociarse con gente del campo, artistas y DJ de country". [76]

En reacción, el 22 de agosto de 1964, Cash publicó una carta como anuncio en Cartelera, llamando cobarde a la industria discográfica: "DJs, directores de emisoras, propietarios. ¿Dónde están tus agallas? Tuve que luchar cuando me di cuenta de que tantas emisoras le temen a Ira Hayes. Solo una pregunta: POR QUÉ. Ira Hayes es una medicina fuerte. También lo son Rochester, Harlem, Birmingham y Vietnam ". [77] [78] Cash siguió promocionando la canción él mismo y usó su influencia en los disc jockeys de la radio que conocía para hacer que la canción subiera al número tres en las listas de países, mientras que el álbum subió al número dos en las listas de álbumes. [76]

Mas tarde El Show de Johnny Cash, continuó contando historias de la difícil situación de los nativos americanos, tanto en canciones como a través de cortometrajes, como la historia de Trail of Tears. [79]

En 1966, en respuesta a su activismo, el cantante fue adoptado por el Clan Tortuga de Seneca Nation. [23] Realizó beneficios en 1968 en la Reserva Rosebud, cerca del hito histórico de la masacre en Wounded Knee, para recaudar fondos para ayudar a construir una escuela. También jugó en la Universidad D-Q en la década de 1980. [80]

Johnny Cash usó su estrellato y su estatus económico para crear conciencia sobre los problemas que rodean a los nativos americanos. [81] Cash cantó canciones sobre la humanidad indígena en un esfuerzo por confrontar al gobierno de Estados Unidos. Muchos no nativos americanos se mantuvieron alejados de cantar sobre estas cosas. [82]

En 1970, Cash registró una lectura del ensayo del 80º cumpleaños de John G. Burnett en 1890 [83] sobre la eliminación de Cherokee para la Asociación de Monumentos Históricos (Nashville). [84]

El Show de Johnny Cash

De junio de 1969 a marzo de 1971, Cash protagonizó su propio programa de televisión, El Show de Johnny Cash, en la red ABC. [85] Producido por Screen Gems, el espectáculo se realizó en el Auditorio Ryman en Nashville. Los Statler Brothers abrieron para él en cada episodio, la familia Carter y la leyenda del rockabilly Carl Perkins también formaron parte del séquito habitual del espectáculo. Cash también disfrutó de la contratación de artistas principales como invitados, entre ellos Linda Ronstadt en su primera aparición en televisión, Neil Young, Louis Armstrong, Neil Diamond, Kenny Rogers y The First Edition (que apareció cuatro veces), James Taylor, Ray Charles, Roger Miller, Roy Orbison. , Derek y los dominós, Joni Mitchell y Bob Dylan. [85]

Del 15 al 18 de septiembre de 1969, en Albuquerque, Nuevo México, realizó una serie de cuatro conciertos en la Feria Estatal de Nuevo México para promover la primera temporada de El Show de Johnny Cash. [86] [87] Estos shows en vivo fueron producidos con la ayuda de ABC y el productor de conciertos local Bennie Sanchez, durante estos sets Johnny Cash y Al Hurricane actuaron juntos. [88] También durante El Show de Johnny Cash era, contribuyó con la canción principal y otras canciones de la película. Little Fauss y Big Halsy, protagonizada por Robert Redford, Michael J. Pollard y Lauren Hutton. [89] La canción principal, "La balada de Little Fauss y Big Halsy", escrita por Carl Perkins, fue nominada para un premio Golden Globe en 1971. [90] [91]

Cash se había reunido por primera vez con Dylan a mediados de la década de 1960 y se convirtió en vecino a fines de la década de 1960 en Woodstock, Nueva York. Cash estaba entusiasmado por volver a presentar al solitario Dylan a su audiencia. Cash cantó a dúo con Dylan, "Girl from the North Country", en el álbum country de Dylan. Horizonte de Nashville y también escribió las notas del álbum, ganadoras del Grammy.

Otro artista que recibió un gran impulso en su carrera de El Show de Johnny Cash era Kris Kristofferson, quien comenzaba a hacerse un nombre como cantautor. Durante una presentación en vivo de "Sunday Mornin 'Comin' Down" de Kristofferson, Cash se negó a cambiar la letra para adaptarse a los ejecutivos de la cadena, cantando la canción con sus referencias a la marihuana intactas:

En una acera de domingo por la mañana
Desearía, Señor, que estuviera apedreado. [92]

El programa de cierre de El Show de Johnny Cash fue un especial de música gospel. Los invitados incluyeron a los hermanos Blackwood, Mahalia Jackson, Stuart Hamblen y Billy Graham. [93]


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At San Quentin es la grabación de un concierto en vivo ofrecido por Johnny Cash a los reclusos de la prisión estatal de San Quentin, lanzado el 4 de junio de 1969. Encabezó las listas Billboard 200 Top LP & # 039s y Top C & ampW LP & # 039s chart. El álbum fue nominado a varios premios Grammy, incluido el Álbum del año y ganó el premio a la Mejor Interpretación Vocal Country Masculina por & quotA Boy Named Sue & quot.

Una de las estrellas inequívocas de la música country, Johnny Cash conservó el respeto por las tribulaciones de la audiencia y lo elevó a esa posición.Grabado en vivo en una de las prisiones más notorias de Estados Unidos, este álbum muestra una empatía desprovista de condescendencia y captura a un intérprete que combina carisma con naturalidad. El material está equilibrado entre los favoritos establecidos y el material nuevo, incluido "Wanted Man" (una canción de Bob Dylan sin grabar) y el alegre éxito "A Boy Named Sue". No era la primera vez que Cash grababa en una institución penal, pero esta aparición, en un momento en que los valores estadounidenses fueron cuestionados a gritos, sugirió que la rebeldía del artista no se había atenuado.
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REVISIÓN ORIGINAL ROLLING STONE

Johnny Cash recuerda a los hombres olvidados. Ellos lo aman. Cantar dentro de una prisión a hombres cuyos espíritus están siendo destruidos por nuestro sistema penal sin sentido es el tipo de revolución de Johnny Cash. La música se convierte en espiritualidad en el contexto de la prisión. La música es inherentemente destructiva de todo lo que representa la penología. La música afirma. La música libera.

Cash suena muy cansado en este disco (& quot; el & # 039 Johnny lo hace mejor bajo presión & quot ;, dice), su voz en algunas canciones simplemente se desvía del tono. Pero la sensación de que se está produciendo una comunicación humana real lo compensa con creces. Comunicarse con una audiencia en ese momento se está convirtiendo en un arte perdido debido al ascenso de la música grabada como la música de esta cultura. Incluso las llamadas bandas modernas "revolucionarias", en el contexto de la nueva tecnología del estudio de grabación, están limitadas en términos del tipo de sentimiento que pueden crear. La mayor parte de los músicos actuales se manejan en una matriz de valores que tiende a ignorar el viaje interpersonal entre el artista y la audiencia en vivo. Nadie quiere burlarse de su propia humanidad. No se permite que los errores permanezcan en la grabación moderna excepto, digamos, como una introducción, que representa algo inteligente que sucedió en el estudio.

& quotSan Quentin, What Do You Think You Do? & quot; Cash y Bob Johnston, dejando varios minutos de espacio-tiempo no musical en este álbum, muestran al oyente que las realidades humanas eran de primordial importancia para el intérprete y el productor. Contrae la intensidad de la emoción evidente en la risa de los reclusos, el entusiasmo de los aplausos y la oleada de abucheos que escucharás cuando un guardia le trae a Cash un vaso de agua después de cantar su nuevo & quotSan Quentin (Tú & # # 039). 039ve sido un infierno para mí) '', contrasta eso con las risas y los aplausos insípidos de, digamos, una comedia de situación en la televisión, y comienzas a comprender la importancia del enfoque de Cash y los hechos reales de cómo es. gastando su vida y a quién elige como audiencia. Considere los valores que la mayoría de nosotros hemos desarrollado y considere las manifestaciones de esos valores. Es genial tropezar con los sonidos y los colores, pero los valores que se acumulan en un tipo que se sienta alrededor de la plataforma todo el día se desperdician, y los valores de un tipo que se pasa el tiempo jugando para los prisioneros, disfrutándolo y entendiéndolo. a través de nosotros también hay algo más.

Las objeciones habituales sobre las grabaciones en directo parecen más o menos irrelevantes porque los sonidos que se presentan en este disco son mucho más que música. Una nueva melodía de Dylan, & quot; Wanted Man & quot; comienza el espectáculo. La relación de Cash es instantánea, y bien podría interpretar el papel principal además de cantarlo: "El hombre buscado por Lucy Watson, el hombre buscado por Jeannie Brown, el hombre buscado por Nellie Johnson, el hombre buscado en esta próxima ciudad". La propia historia de Dig Cash sobre la justicia sureña y su noche en la cárcel de Starkville, Mississippi, por recoger flores. & quot; I Walk the Line & quot; suena duro, rudo, como Johnny Cash funk, y hay & # 039 un Shel Silverstein hablando de blues, & quotA Boy Named Sue & quot; realmente una risa. El contenido es muy edípico y cursi, el tratamiento Cash es hermoso. Y Cash canta "San Quentin" dos veces seguidas. La increíble diferencia entre las dos "tomas" justifica totalmente el doble disparo. "A mí también me gusta un poco", declara Johnny. "Paz en el Valle", el viejo espiritual, lo cierra, solo para ser seguido por una breve y palpitante probada de "Folsom Prison Blues". El concierto ha terminado, y esos humanos todavía están encerrados al otro lado de la bahía. El recuerdo de Cash rapeando con su público pelirrojo se queda conmigo. ¿Dónde debe estar Cash para relacionarse tan bien con aquellos que hemos puesto en nuestras mazmorras? (RS 38)

PISTAS:
Todas las canciones de Johnny Cash excepto lo indicado.
Lado 1
& quot; Hombre buscado & quot (Bob Dylan / Johnny Cash)
& quot; Naufragio del Viejo 97 & quot (Bob Johnston, Norman Blake)
& quotYo camino por la línea & quot
& quotDarling Companion & quot (John Sebastian)
& quotCárcel de la ciudad de Starkville & quot

Lado 2
& quotSan Quentin & quot
& quotSan Quentin & quot
& quot Un niño llamado Sue & quot (Shel Silverstein)
& quot (Hay & # 039ll Be) Paz en el Valle & quot (Thomas A. Dorsey)
& quotFolsom Prison Blues & quot

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EN ESTA FECHA (HACE 57 AÑOS)
25 de junio de 1964 - The Animals: “The House Of The Rising Sun” b / w “Talkin & # 039 & # 039Bout You” (MGM K 13264) 45 single es lanzado en los Estados Unidos.

& quotThe House of the Rising Sun & quot es una canción folclórica tradicional, a veces llamada & quot Rising Sun Blues & quot. Habla de una vida que salió mal en Nueva Orleans. La versión comercial más exitosa, grabada en 1964, The Animals, fue un éxito número uno en el Reino Unido, Estados Unidos, Suecia, Finlandia y Canadá.

Es reconocido como uno de los clásicos de la música pop británica. El escritor Lester Bangs lo calificó como & quot; reordenamiento brillante & quot; y & quot; nueva interpretación estándar de cuota de una composición estándar antigua & quot. También es una de las 500 canciones del Salón de la Fama del Rock and Roll que dieron forma al Rock and Roll. La RIAA lo colocó como el número 240 en su lista de Canciones del Siglo. En 1999 recibió un premio Grammy Hall of Fame. Desde hace mucho tiempo se ha convertido en un elemento básico de los formatos de radio de rock clásico y oldies. Una encuesta de Five de 2005 la clasificó como la cuarta canción favorita número uno de Gran Bretaña.

Una entrevista con Eric Burdon reveló que escuchó la canción por primera vez en un club de Newcastle, Inglaterra, donde la cantó el cantante de folk de Northumbria, Johnny Handle. The Animals estaban de gira con Chuck Berry y lo eligieron porque querían cantar algo distintivo. Esta entrevista refuta las afirmaciones de que la inspiración para su arreglo vino de Bob Dylan. La banda disfrutó de un gran éxito con la canción, para disgusto de Dylan cuando se refirió a su versión como un cover. La ironía de esto no pasó desapercibida para Dave Van Ronk, quien dijo que todo el tema era una & quot; tempestad en una tetera & quot; y que Dylan dejó de tocar la canción después del éxito de The Animals & # 039 porque los fans lo acusaron de plagio. Dylan ha dicho que escuchó por primera vez la versión de The Animals & # 039 en la radio de su coche y & quot; saltó de su asiento & quot porque le gustó mucho.
Dave Marsh describió la versión de The Animals & # 039 de & quot; La casa del sol naciente & quot como & quot. el primer éxito de folk-rock, & quot que suena & quot. como si "hubieran conectado la antigua melodía a un cable en vivo". El escritor Ralph McLean de la BBC estuvo de acuerdo en que "fue posiblemente la primera melodía de folk rock," llamándola & quota un sencillo revolucionario "después de lo cual" la cara de la música moderna cambió para siempre ". Van Ronk afirma que esta versión se basó en su arreglo de la canción.

La versión Animals & # 039 transpone la narrativa de la canción desde el punto de vista de una mujer llevada a una vida de degradación, a la de un hombre, cuyo padre ahora era jugador y borracho, en contraposición al amor en versiones anteriores.

The Animals habían comenzado a presentar su arreglo de & quotHouse of the Rising Sun & quot durante una gira de conciertos conjunta con Chuck Berry, usándolo como su número de cierre para diferenciarse de los actos que siempre cerraban con rockeros heterosexuales. Tuvo una tremenda reacción de la audiencia, convenciendo al productor inicialmente reacio Mickie Most de que había alcanzado el potencial y entre paradas de gira el grupo fue a un pequeño estudio de grabación en Kingsway en Londres para capturarlo.

Grabado en una sola toma el 18 de mayo de 1964, comenzó con una famosa guitarra eléctrica Un arpegio de acordes menores de Hilton Valentine. La actuación despegó con la voz principal de Burdon, que ha sido descrita de diversas formas como & quothowling & quot, & quotsoulful & quot y como & quot. profunda y gravosa como la ciudad carbonífera de Newcastle, en el noreste de Inglaterra, que lo engendró. "Finalmente, la parte de órgano pulsante de Alan Price (tocada en un Vox Continental) completó el sonido. Burdon dijo más tarde: "Estábamos buscando una canción que captara la atención de la gente".

Según se registró, "House of the Rising Sun" duró cuatro minutos y medio, lo que se consideró demasiado largo para un sencillo pop en ese momento. Producer Most, que por lo demás minimizó su papel en esta ocasión: "Todo estaba en el lugar correcto". Solo tomó 15 minutos para hacer, así que no puedo tomarme mucho crédito por la producción; sin embargo, ahora era un creyente y lo declaró como un single en toda su extensión, diciendo: `` Estamos en un mundo de microsurco ahora, lo lanzaremos ''. & quot

El crédito de los arreglos fue solo para Alan Price. Según Burdon, esto se debió simplemente a que no había espacio suficiente para nombrar a los cinco miembros de la banda en el sello discográfico, y el primer nombre de Alan Price fue el primero en orden alfabético. Sin embargo, esto significó que solo Price recibió regalías de compositor por el éxito, un hecho que ha causado amargura desde entonces, especialmente con Valentine.
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CASHBOX, 25 de julio de 1964 - Selecciones de recién llegados

THE HOUSE OF THE RISING SUN (2:58) [Al Gallico BMI-Price] TALKIN & # 039 ACOUT YOU (1:55) [Progressive BMI-Charles] THE ANIMALS (MGM 13264) The Animals son un grupo de cantantes que actualmente son disfrutando de un éxito número 1 en Inglaterra con & quot The House Of The Rising Sun & quot y es probable que puedan duplicar los resultados de la lista en los EE. UU. el plomo se entrega de manera contundente como vocalista en solitario. El asunto Ray Charles, & quotTalkin & # 039 About You & quot, toma un paseo en blues de conducción en el calcetín.

YOUTUBE.COM

Los animales - Casa del sol naciente (1964) Alta calidad [HQ] .flv

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EN ESTA FECHA (HACE 47 AÑOS)
25 de junio de 1973 - Chicago: Se estrena Chicago VI.
# TODAS LAS COSAS MÚSICA PLUS + 4.5 / 5
# Allmusic 4/5 estrellas
# Rolling Stone (consulte la reseña original a continuación)

Chicago VI es el sexto álbum de Chicago, lanzado el 25 de junio de 1973. Pasó cinco semanas en el # 1 en el Billboard 200 Top LP & # 039s & amp Tape chart.

Aunque Robert Lamm mantiene su destreza como compositor en Chicago VI (autor de la mitad de las pistas del álbum & # 039s, incluida su respuesta a algunos de los críticos negativos de Chicago & # 039s en & quotCritics & # 039 Choice & quot), James Pankow es el responsable del álbum & # 039s dos éxitos, & quotJust You & # 039N & # 039 Me & quot (# 4) y & quotFeelin & # 039 Stronger Every Day & quot (# 10), el último de los cuales fue co-compuesto con Peter Cetera, quien, él mismo consiguió otra pista en Chicago VI, el influenciado por el país & quot en términos de dos & quot.

Después de grabar los primeros cinco álbumes de Chicago en la ciudad de Nueva York, el productor James William Guercio hizo construir sus propios estudios Caribou Studios en Nederland, Colorado durante 1972, y terminaron a tiempo para que la banda grabara su sexto álbum en febrero siguiente. Seguiría siendo su base de grabación durante los próximos cuatro años.

El álbum en el que Chicago abandonó por completo sus primeras raíces de jazz-rock y se volvió estrictamente pop, 1973 & # 039s Chicago VI presenta dos de los mejores sencillos de la banda, el romántico & quotJust You & # 039N & # 039 Me & quot y el edificante & quotFeelin & # 039 Stronger. Every Day & quot, junto con un sólido conjunto de pistas de álbumes. Terry Kath & # 039s & quotWhat & # 039s This World Coming To & quot y Lamm & # 039s Dreamy & quotAlgo en esta ciudad cambia a la gente & quot son casi tan fuertes como los grandes éxitos. En otros lugares, el frito campestre & quot En términos de dos & quot demuestra un interesante desvío estilístico. Chicago siempre ha sido una banda de singles definitiva, pero aquellos que buscan explorar su catálogo más allá de los éxitos deberían ver este excelente lanzamiento.
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Extracto tomado del conjunto de cajas & quotRetrato de grupo & quot
Retrato de grupo de William James Ruhlmann

Guercio, mientras tanto, había comprado un rancho en Colorado y había construido allí un estudio de grabación al que llamó Caribou, buscando evitar los gastos y las restricciones de los estudios de Nueva York y lo que él consideraba su equipo obsoleto. Chicago se mudó al rancho en febrero de 1973 para comenzar a trabajar en su sexto álbum.

"Nos cansamos un poco de grabar en Nueva York, con las mucamas golpeando la [puerta de la habitación] de su hotel, con la ciudad bulliciosa", dice Parazaider. `` Eso puso fin a una era por el momento, y el sexto, séptimo, octavo, décimo y undécimo álbum se hicieron en Caribou Ranch a 8.500 pies de altura en las Montañas Rocosas, aproximadamente a una hora en coche de las afueras de Boulder ''.

Aunque el rancho estaba destinado a facilitar el trabajo ininterrumpido, las cosas no funcionaron de esa manera. "Fue agradable en cierto modo", permite Parazaider, "pero después de dos o tres semanas, nuestra productividad disminuyó. Podrías ir allí y en moto de nieve si fuera invierno, podrías montar a caballo y alejarte de las cosas, podrías caminar por el bosque. Allí arriba tenía 3,000 acres. Pero después de dos o tres semanas, tuve que cruzar el muro y bajar a la ciudad y ver qué diablos estaba pasando. Se hizo tan silencioso que el silencio fue ensordecedor. Me molestaba. Nunca hicimos más de dos o tres semanas [a la vez] después de ese sexto álbum ".

Pero por el sonido y la calidad general del trabajo producido, es difícil criticar a Caribou Ranch, cuyas primicias fueron lanzadas en junio de 1973, en la forma del sencillo & quotFeelin & # 039 Stronger Every Day & quot y el álbum. Chicago VI.

"Puedo recordar los comienzos exactos de ese", dice Cetera, quien coescribió la canción de rock que llevó a Chicago al Top 10 del Hot 100. "Estábamos en el Akron Rubber Bowl en Akron, Ohio, un concierto al aire libre que fue retrasado un poco debido a la lluvia, así que llegamos a nuestra hora y media normal antes del concierto, y estábamos sentados, y nos dijeron que esperaríamos al menos una hora, y escuché a Jimmy [ Pankow] en la otra habitación reproduciendo el comienzo real de esa canción, y dije, & # 039Bueno, eso & # 039 es lindo & # 039 Me acerqué y dije, & # 039 ¿Qué es eso? & # 039 y él fue , & # 039Oh, no lo sé, solo estoy jugando. 039 y dije, & # 039 Sí. # 039 Fui a buscar mi bajo, nos sentamos allí y jugamos con él, y unas semanas más tarde, después de salir de la carretera, fui a su casa y nos pusimos escribió & # 039Feelin & # 039 Más fuerte cada día. & # 039 & quot

La canción tiene una letra con un giro curioso sobre la ruptura romántica, el narrador se declara en el camino hacia la recuperación en lugar de insistir en la ruptura. Para Pankow, también tenía un mensaje implícito para la banda. & quot, Stronger Every Day & # 039 se trataba de una relación & quot ;, dice, & quot; pero aún así, subyacente a esa relación, es casi como si la banda se sintiera más fuerte que nunca ".

Chicago VI sugiere que se está produciendo una transición en el grupo. Lamm, siempre un tipo de escritor en tiempo presente, comienza con su respuesta a las críticas negativas de Chicago, preguntando lastimeramente: "¿Qué quieres?" Antes de criticar a los críticos como parásitos. & quot; Cuando escribí & # 039Critics & # 039 Choice ’me sentí herido & quot ;, dice Lamm, & quot; porque siempre sentí que veníamos de un lugar honesto y que ciertamente no nos sentíamos como lo que se estaba empezando a decir o escribir sobre nosotros. Siempre nos sentimos muy bien con lo que estábamos haciendo cuando grabamos y cuando actuamos, y en gran medida, no entendíamos el tipo de críticas que recibíamos. Después de & # 039Critics & # 039 Choice, & # 039, creo que todos en la banda llegamos al punto en el que sentimos que si intentábamos hacer un gran trabajo todo el tiempo, eso se arreglaría solo. No estoy seguro de que alguna vez lo haya hecho.

Pankow & # 039s & quotJust You & # 039N & # 039 Me & quot, que se lanzaría como el segundo sencillo del álbum, y que se convertiría en oro y alcanzaría el número 1 en la lista Cash Box (número 4 en Billboard) fue uno de los más memorables de Chicago. baladas y en gran medida un presagio del futuro. & quot & # 039 Just You 'N' Me & # 039 fue el resultado de una pelea & # 039 de amantes & quot ;, recuerda Pankow. "Estaba en proceso de posiblemente comprometerme con esta señora, que ha sido mi esposa durante 18 años". Vivíamos juntos en Los Ángeles, y habíamos tenido un desacuerdo, y en lugar de atravesar la pared con el puño o volverme loco, me acerqué al piano y esta canción simplemente se derramó. No tuve que pensar en eso. Terminamos casándonos poco después, y la hoja principal de esa canción era el anuncio de la boda, con nuestra foto en relieve.

En una nota no musical, Chicago VI tenía otro diseño de portada inusual que finalmente incorporó una foto pequeña y sin sonreír de la banda, y el diseño reflejó irónicamente la carrera del estado de Chicago en 1973. & quot; El sexto álbum en realidad estaba cubierto de dinero. papel '', dice Pankow, `` EE. UU. papel de menta en el que hicieron dinero. Se imprimió en ese papel para darle un aspecto granulado, casi monetario ''. El diseño solo puede considerarse apropiado para un disco que fue superado solo por Elton John & # 039s Goodbye Yellow Brick Road como el álbum más exitoso de 1973.
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REVISIÓN ORIGINAL ROLLING STONE

¿Qué quieres? Estoy dando todo lo que tengo
Incluso estoy tratando de ver si hay más.
Encerrado en el fondo, lo he intentado.
¿No ves que soy yo?
¿Que necesitas? ¿Es alguien solo para lastimar?
¿Para que pueda parecer inteligente?
¿Para mantener un trabajo estable, jugar a ser dios?
¿Qué es lo que realmente sabes?
Eres parásito, eres dinamita
Un descuido, malinterpretar lo que escuchas
Eres rápido para animar y ofrecerte como voluntario
Absurdos, blasfemias musicales.
Oh Señor, sálvanos a todos.
- & quot; Críticos & # 039 Elección & quot; Robert Lamm

Mi más sentido pésame para el Sr. Lamm. En cuanto al resto del álbum, a estas alturas debería quedar claro que Chicago se ha convertido en prisionera de su propia imagen.Al esforzarse tanto por desempeñar el papel de los "tipos más populares del planeta", solo han logrado caricaturizarse a sí mismos mediante firmes promesas de lealtad a la bandera anormal de Hippiedom. Es triste que el grupo aún no se haya dado cuenta de la correlación entre sus acciones y la respuesta crítica que generan, pero más triste aún es el hecho de que muchas de las personas que se ríen de ellos no se han tomado el tiempo para diferenciar entre el grupo. La bufonada de 039 y la música que la acompaña.

Si lo hicieran, descubrirían que probablemente se habían equivocado en Chicago desde el principio. Puede que los chicos de Windy City hayan intentado estar más de moda que tú, pero después de su excepcional álbum debut, su producto ha sido estrictamente MORsville. No es que esto deba tomarse como una excusa para una música de mala calidad, es solo que cuando la gente se da cuenta de dónde está realmente Chicago musicalmente, es mucho más fácil de entender.

Chicago VI contiene dos cancioneros comerciales más o menos sobresalientes, cualquiera de los cuales mejoraría cien veces la lista de reproducción de radio promedio. Terry Kath & # 039s & quotJenny & quot es un verdadero placer. Su simplicidad es refrescante: guitarra, bajo, batería y el pedal steel de J.G. O & # 039Rafferty en buena medida, y los resultados son un éxito total. Una balada etérea sobre el amor entre el hombre y el perro, es tan sencilla que trasciende la vulgaridad del tema.

Peter Cetera & # 039s & quotIn Terms of Two & quot tiene un éxito similar, y su principal atractivo es el sonido del arpa juvenil de un armónico no identificado. Da dirección a la canción & # 039s de otra manera un acompañamiento rítmico mecánico y sirve como un foco para la accesibilidad del oyente. El arreglo lírico de Cetera es encomiable: vuelve a la frase "en términos de dos" no por repetición sino como una reafirmación del tema principal de la canción. Una vez más, es la simple honestidad de esta canción la que lo logra, una cualidad demasiado ausente del resto de Chicago VI.

Las otras seis canciones son variaciones casi imperceptibles de lo que ahora se conoce como la & quot; Fórmula de Chicago & quot. eso parece desprovisto de implicación emocional por parte de la banda.

Es dudoso que Chicago vuelva alguna vez a tocar el tipo de música que adornaba su primer álbum. ¡Eso fue progresivo! Así que todos ustedes, amigos, podrían esconderse y conocer a Chicago por lo que realmente son: un grupo de tipos bien intencionados que no quieren hacer daño a nadie. Si quieren engañarse a sí mismos acerca de ser algo más que rock & amp roll Doc Severinsens, para mí está bien. Después de todo, toma su música por lo que vale, es la mitad del camino que hace posibles los bordes. (RS 141)

Gordon Fletcher (17 de agosto de 1973)

PISTAS:
Lado uno
& quotCríticos & # 039 Elección & quot (Robert Lamm) - 2:49
& quotSolo tú & # 039n & # 039 Yo & quot (James Pankow) - 3:42
& quotDarlin & # 039 Estimado & quot (Lamm) - 2:56
& quotJenny & quot (Terry Kath) - 3:31
& quot¿A qué & # 039s este mundo viene & # 039 & quot (Pankow) - 4:58

Lado dos
& quotAlgo en esta ciudad cambia a la gente & quot (Lamm) - 3:42
& quotHollywood & quot (Lamm) - 3:52
& quot En términos de dos & quot (Peter Cetera) - 3:29
& quot; Redescubrimiento & quot (Lamm) - 4:47
& quotFeelin & # 039 Stronger Every Day & quot (Cetera, Pankow) - 4:15


Contenido

Los padres de Haggard fueron Flossie Mae (de soltera Harp 1902-1984) y James Francis Haggard (1899-1946). [7] La ​​familia se mudó a California desde su casa en Checotah, Oklahoma, durante la Gran Depresión, después de que su granero se quemara en 1934. [8]

Se establecieron con sus dos hijos mayores, James 'Lowell' (1922-1996) y Lillian, en un apartamento en Bakersfield, mientras James comenzaba a trabajar para el ferrocarril de Santa Fe. Una mujer propietaria de un vagón colocado en Oildale, un pueblo cercano, le preguntó al padre de Haggard sobre la posibilidad de convertirlo en una casa. Remodeló el vagón, y poco después se mudó, también comprando el lote, donde nació Merle Ronald Haggard el 6 de abril de 1937. [9] [10] La propiedad finalmente se amplió con la construcción de un baño, un segundo dormitorio, una cocina. , y un rincón de desayuno en el lote adyacente. [9]

En 1946, el padre de Haggard murió de una hemorragia cerebral. [10] Haggard, de 9 años, se vio profundamente afectado por la pérdida, y siguió siendo un evento fundamental para él por el resto de su vida. Para mantener a la familia, la madre de Haggard tomó un trabajo como contadora. [11] El hermano mayor Lowell le dio su guitarra a Merle cuando Merle tenía 12 años. Haggard aprendió a tocarla por su cuenta, [9] con los discos que tenía en casa, influenciados por Bob Wills, Lefty Frizzell y Hank Williams. [12] Mientras su madre estaba trabajando durante el día, Haggard comenzó a meterse en problemas. Ella lo envió a un centro de detención de menores durante un fin de semana para tratar de corregirlo, pero su comportamiento no mejoró. En todo caso, empeoró. [13]

A la edad de 13 años, Haggard estaba robando y emitiendo cheques sin fondos. En 1950 fue sorprendido robando y enviado a un centro de detención de menores. [14] Al año siguiente se escapó a Texas con su amigo Bob Teague. [12] Los dos viajaron en trenes de carga e hicieron autostop por todo el estado. [15] [16] Cuando regresaron más tarde ese año, los dos niños fueron acusados ​​de robo y enviados a la cárcel. Esta vez, en realidad no habían cometido el crimen y fueron liberados cuando se encontró a los verdaderos ladrones. La experiencia no cambió mucho a Haggard. Fue enviado nuevamente a un centro de detención juvenil más tarde ese año, del cual él y su amigo escaparon nuevamente y se dirigieron a Modesto, California. Allí trabajó en una serie de trabajos como jornalero, incluido el de conductor de camión de patatas, cocinero de comida rápida, lanzador de heno y tirador de pozos de petróleo. [15] Su actuación debut fue con Teague en un bar de Modesto llamado "Fun Center", por el que le pagaron 5 dólares y le dieron cerveza gratis. [17]

En 1951 regresó a Bakersfield, donde nuevamente fue arrestado por absentismo escolar y hurto menor y enviado a un centro de detención juvenil. Después de otra fuga, fue enviado a la Escuela de Industria de Preston, una instalación de alta seguridad. Fue puesto en libertad 15 meses después, pero fue devuelto después de golpear a un niño local durante un intento de robo. Después de la liberación de Haggard, él y Teague vieron a Lefty Frizzell en concierto. Los dos se sentaron detrás del escenario, donde Haggard comenzó a cantar. Al escuchar al joven desde el escenario, Frizzell se negó a continuar a menos que a Haggard se le permitiera cantar primero. Haggard lo hizo y fue bien recibido por la audiencia. Después de esta experiencia, Haggard decidió seguir una carrera en la música. Por las noches cantaba y tocaba en los bares locales, mientras trabajaba como peón o en los campos petroleros durante el día.

Casado y acosado por problemas financieros, [12] en 1957 trató de robar una taberna de Bakersfield, fue capturado y arrestado. [18] Condenado, fue enviado a la cárcel de Bakersfield. [11] Luego de un intento de fuga fue trasladado al Penal de San Quintín el 21 de febrero de 1958. [19] Allí se encontraba el preso número A45200. [20] Mientras estaba en prisión, Haggard se enteró de que su esposa estaba esperando el hijo de otro hombre, lo que lo presionó psicológicamente. Fue despedido de una serie de trabajos en la prisión y planeaba escapar junto con otro preso apodado "Conejo" (James Kendrick [21]), pero sus compañeros lo convencieron de no escapar. [22]

Mientras estaba en San Quentin, Haggard comenzó a apostar y a hacer ruido con su compañero de celda. Después de que lo sorprendieron borracho, lo enviaron durante una semana a un confinamiento solitario donde se encontró con Caryl Chessman, una autora y condenada a muerte. [23] Mientras tanto, "Rabbit" había escapado con éxito, solo para dispararle a un oficial de policía y ser devuelto a San Quentin para su ejecución. [22] La situación de Chessman, junto con la ejecución de "Rabbit", inspiró a Haggard a cambiar su vida. [23] Pronto obtuvo un diploma equivalente a la escuela secundaria y mantuvo un trabajo estable en la planta textil de la prisión. [23] También tocó para la banda de música country de la prisión, [24] atribuyendo una actuación de Johnny Cash en la prisión el día de Año Nuevo de 1959 como su principal inspiración para unirse a ella. [25] Fue puesto en libertad condicional de San Quentin en 1960. [26]

En 1972, después de que Haggard se convirtiera en una estrella de la música country establecida, el entonces gobernador de California, Ronald Reagan, le concedió a Haggard un perdón total e incondicional por sus crímenes pasados. [27]

Tras su liberación de San Quentin en 1960, Haggard comenzó a cavar zanjas para la empresa de contratistas eléctricos de su hermano. Pronto, estaba actuando de nuevo y luego comenzó a grabar con Tally Records. El sonido de Bakersfield se estaba desarrollando en el área como una reacción contra el sonido de Nashville sobreproducido. [28] El primer disco de Haggard para Tally fue "Singing My Heart Out" respaldado por "Skid Row", no fue un éxito, y sólo se imprimieron 200 copias. En 1962, Haggard terminó actuando en un espectáculo de Wynn Stewart en Las Vegas y escuchó "Sing a Sad Song" de Wynn. Pidió permiso para grabarlo, y el sencillo resultante fue un éxito nacional en 1964. Al año siguiente, consiguió su primer récord nacional entre los 10 primeros con "(My Friends Are Gonna Be) Strangers", escrito por Liz Anderson, madre del cantante de country Lynn Anderson, y su carrera estaba en marcha. [29] Haggard recuerda que le convencieron de visitar a Anderson, una mujer que no conocía, en su casa para escucharla cantar algunas canciones que había escrito. "Si había algo que no quería hacer, era sentarme en la casa de una mujer colgada y escuchar sus lindas canciones. Pero fui de todos modos. Ella era una dama bastante agradable, bonita, con una linda sonrisa, pero yo estaba todo listo para aburrirse hasta la muerte, más aún cuando sacó un montón de canciones y se acercó a un viejo órgano de bombeo. Allí estaban. Dios mío, un golpe tras otro. Debía haber cuatro o cinco números una canción allí ". [30]

En 1967, Haggard grabó "I'm a Lonesome Fugitive" con The Strangers, también escrita por Liz Anderson, con su esposo Casey Anderson, que se convirtió en su primer sencillo número uno. [31] Cuando los Anderson le presentaron la canción a Haggard, no se dieron cuenta de su tramo de prisión. [32] Bonnie Owens, la cantante de respaldo y entonces esposa de Haggard, es citada por el periodista musical Daniel Cooper en las notas de la retrospectiva de 1994. Por cada camino: "Supongo que no me di cuenta de lo mucho que le hizo la experiencia en San Quintín, porque nunca hablaba mucho de eso. Me di cuenta de que estaba de mal humor. Y dije: '¿Está todo bien? ' Y él dijo: 'Estoy realmente asustado'. Y yo dije, '¿Por qué?' Y él dijo: 'Porque me temo que algún día estaré ahí fuera. Y habrá. Algún prisionero. Ahí dentro al mismo tiempo que yo estuve, levántese, y ellos estarán en la tercera fila hacia abajo. —Y decir, '¿Qué crees que estás haciendo, 45200?' ". Cooper señala que la noticia tuvo poco efecto en la carrera de Haggard:" No está claro cuándo o dónde Merle reconoció por primera vez al público que sus canciones de la prisión estaban arraigadas en historia, ya que para su crédito, no parece haber hecho un gran anuncio. En un perfil de mayo de 1967 en Noticias de la Ciudad de la Música, nunca se menciona su historial carcelario, pero en julio de 1968, en la misma publicación, se habla de él como si fuera de dominio público "[33].

El álbum de 1967 Hombre de marca with The Strangers inició una exitosa carrera artística y comercial para Haggard. En 2013, el biógrafo de Haggard, David Cantwell, declaró: "Los sucesores inmediatos de Soy un fugitivo solitarioHombre de marca en 1967 y, en el 68, Cantame de vuelta a casa y La leyenda de Bonnie y Clyde—Estuvieron entre los mejores álbumes de sus respectivos años ". [34] Las nuevas grabaciones de Haggard mostraron su banda The Strangers, específicamente Telecaster de Roy Nichols, la guitarra de acero de Ralph Mooney y la armonía vocal proporcionada por Bonnie Owens.

En el momento del primer éxito entre los 10 primeros de Haggard "(My Friends Are Gonna Be) Strangers" en 1965, Owens, que había estado casado con Buck Owens, era conocido como solista, un elemento fijo en la escena de clubes de Bakersfield y alguien que había aparecido en televisión. Ella ganó el primer premio de la Academia de Música Country a Vocalista Femenina después de su álbum debut de 1965, No te aproveches de mi, alcanzó los cinco primeros en la lista de álbumes de países. Sin embargo, Bonnie Owens no tuvo más singles de éxito, y aunque grabó seis álbumes en solitario en Capitol entre 1965 y 1970, se hizo conocida principalmente por sus armonías de fondo en éxitos de Haggard como "Sing Me Back Home" y "Branded Man". [35]

El productor Ken Nelson adoptó un enfoque de no intervención para producir Haggard. En el episodio de Maestros americanos dedicado a él, recuerda Haggard: "El productor que tenía en ese momento, Ken Nelson, era una excepción a la regla. Me llamaba 'Sr. Haggard' y yo era un pequeño punk de veinticuatro o veinticinco años de Oildale. Me dio toda la responsabilidad. Creo que si hubiera intervenido y hubiera dicho: 'Oh, no puedes hacer eso', me habría destruido ". [36] En la serie documental Autopista perdidaNelson recuerda: "Cuando comencé a grabar a Merle, me enamoré tanto de su forma de cantar que me olvidaba de lo que estaba pasando, y de repente me di cuenta, '¡Espera un minuto, aquí hay músicos de los que tienes que preocuparte! ' Pero sus canciones, era un gran escritor ". [37]

Hacia el final de la década, Haggard compuso varios éxitos número uno, incluidos "Mama Tried", "The Legend of Bonnie and Clyde", "Hungry Eyes" y "Sing Me Back Home". [34] Daniel Cooper llama a "Sing Me Back Home" "una balada que funciona en tantos niveles diferentes del alma que desafía cada intento de analizarla". [33] En una entrevista de 1977 en Cartelera con Bob Eubanks, reflexionó Haggard: "A pesar de que el crimen fue brutal y el tipo era un criminal incorregible, es una sensación que nunca olvidas cuando ves a alguien que conoces caminar por última vez. Lo llevan por el patio y hay un guardia al frente y un guardia detrás, así es como se conoce a un prisionero de muerte. Sacaron a Conejo, lo llevaron a ver al Padre, antes de su ejecución. Esa fue una imagen fuerte que quedó en mi mente ". En 1969, el primer LP tributo de Haggard Mismo tren, tiempo diferente: un tributo a Jimmie Rodgers, también fue lanzado para ser aclamado.

Las canciones de Haggard llamaron la atención de fuera del campo del país. Los hermanos Everly hicieron versiones de "Sing Me Back Home" y "Mama Tried" en su álbum de country-rock de 1968. Raíces. Al año siguiente, las canciones de Haggard fueron interpretadas o grabadas por una variedad de artistas, incluida la encarnación de Gram Parsons de los Byrds, quienes interpretaron "Sing Me Back Home" en el Grand Ole Opry y grabaron "Life in Prison" para su álbum. Cariño del Rodeo la cantante y activista Joan Baez, que hizo una versión de "Sing Me Back Home" y el cantante de "Mama Tried" Dean Martin, que grabó "I Take a Lot of Pride in What I Am" para su álbum del mismo nombre y Grateful Dead, cuyo la versión en vivo de "Mama Tried" se convirtió en un elemento básico en su repertorio hasta el final de la banda en 1995. [ cita necesaria ]

En el original Piedra rodante reseña del álbum Haggard and The Strangers 1968 Mamá lo intentó, Escribió Andy Wickham, "Sus canciones romantizan las dificultades y tragedias del proletario transitorio de Estados Unidos y su éxito es el resultado de su habilidad inherente para relacionarse con su audiencia una experiencia común con precisamente el tono emocional correcto. Merle Haggard parece el papel y suena el papel porque él es la parte. Es genial ". [ cita necesaria ]

En 1969, Haggard and The Strangers lanzaron "Okie From Muskogee", con letras que aparentemente reflejan el orgullo del cantante de ser de América Central, donde la gente es convencionalmente patriótica, no fuma marihuana, no toma LSD, no protesta por quemar tarjetas de reclutamiento o desafiar a la autoridad de cualquier otra forma. [38] En los años siguientes, Haggard dio diversas declaraciones sobre si pretendía que la canción fuera una sátira humorística o una declaración política seria en apoyo de los valores conservadores. [39] En una entrevista de 2001, Haggard llamó a la canción una "documentación de los sin educación que vivían en Estados Unidos en ese momento". [40] Sin embargo, hizo varias otras declaraciones sugiriendo que se refería a la canción en serio. Sobre el Show de Bob Edwards, dijo: "Lo escribí cuando salí recientemente del porro. Sabía lo que era perder mi libertad y me estaba enojando mucho con estos manifestantes. No sabían nada más sobre la guerra en Vietnam que yo. Pensé cómo se habría sentido mi padre, que era de Oklahoma. Sentí que sabía cómo se sentían esos chicos que estaban peleando en Vietnam ". [41] En la serie de documentales de música country Autopista perdida, explicó: "Mi papá falleció cuando yo tenía nueve años, y no sé si alguna vez has pensado en alguien que has perdido y dices: 'Me pregunto qué pensaría fulano de tal sobre esto. ' Conducía por la Interestatal 40 y vi un letrero que decía "19 millas a Muskogee", mientras escuchaba programas de radio de The World Tomorrow (radio y televisión) conducidos por Garner Ted Armstrong. [42] Muskogee era En mi infancia siempre me referí como "de vuelta a casa". Entonces vi ese letrero y toda mi infancia pasó ante mis ojos y pensé: 'Me pregunto qué pensaría papá sobre el levantamiento juvenil que estaba ocurriendo en ese momento, los Janis Joplins. Los entendí, me llevé bien, Pero, ¿y si él cobrara vida en este momento? Y pensé, qué manera de describir el tipo de gente en Estados Unidos que todavía está sentada en el centro del país diciendo: '¿Qué está pasando en estos campus? ? '", ya que era el tema de este programa de radio de Garner Ted Armstrong. "Y una semana más tarde, estaba escuchando a Garner Ted Armstrong, y Armstrong estaba diciendo que las universidades más pequeñas en las ciudades más pequeñas no parecen tener ningún problema. Y me preguntaba si Muskogee tenía una universidad, y la tenía, y no habían tenido ningún problema, ni problemas raciales ni problemas con las drogas. Todo me golpeó en dos minutos, e hice una línea tras otra y terminé todo en 20 minutos ". [42] [43] En el Maestros americanos documental sobre él, dijo: "Así es como me involucré con los hippies. Pensé que no estaban calificados para juzgar a Estados Unidos, y pensé que estaban mirando por encima de sus narices algo que yo apreciaba mucho, y me cabreó .Y pensé: 'Hijos de puta, nunca han sido excluidos de este gran y maravilloso país y, sin embargo, aquí están en las calles quejándose de cosas, protestando por una guerra de la que no sabían nada más. que yo. Ellos no estaban peleando esa guerra más que yo ". [36]

Haggard comenzó a interpretar la canción en concierto en 1969 y quedó asombrado por la reacción que recibió:

El campamento de Haggard sabía que estaban en algo. Dondequiera que fueran, en cada programa, "Okie" hizo más que un aplauso entusiasta. Había una adulación inesperada corriendo a través de la multitud ahora, ovaciones de pie que seguían y seguían y, a veces, dejaban a la audiencia y a los miembros de la banda con los ojos llorosos. Merle de alguna manera se había topado con una canción que expresaba temores incipientes, expresaba en voz alta quejas y ansiedades que de otro modo solo se susurraban, y ahora la gente usaba su canción, usaba a "él" para conectarse con estas preocupaciones más importantes y entre sí. [44]

La versión de estudio, que era más suave que las versiones usualmente estridentes de conciertos en vivo, encabezó las listas de música country en 1969 y permaneció allí durante un mes. [45] También alcanzó el número 41 en el Cartelera lista de singles de todos los géneros, convirtiéndose en el mayor éxito de Haggard hasta ese momento, solo superado por su éxito navideño cruzado de 1973, "If We Make It Through December", que alcanzó el puesto 28. [46] "Okie from Muskogee" también es generalmente descrita como la canción característica de Haggard. [47]

En su siguiente sencillo, "The Fightin 'Side of Me", lanzado por su compañía discográfica en 1970 a pesar de las objeciones de Haggard, la letra de Haggard decía que no le importaba la contracultura "cambiar de bando y defender lo que creen". pero declaró resueltamente: "¡Si no lo amas, déjalo!" En mayo de 1970, Haggard le explicó a John Grissom de Piedra rodante, "No me gustan sus puntos de vista sobre la vida, su inmundicia, su visible falta de respeto por sí mismos, ya sabes. No les importa una mierda cómo se ven o cómo huelen. ¿Qué tienen para ofrecer a la humanidad? " [48] ​​En una entrevista de 2003 con Sin depresión revista, Haggard dijo, "Tenía diferentes puntos de vista en los años 70. Como ser humano, he aprendido [más]. Tengo más cultura ahora. Era más tonto cuando escribí 'Okie From Muskogee'. Eso es ser honesto contigo en este momento, y muchas cosas que dije [entonces] las canto con una intención diferente ahora. Mis puntos de vista sobre la marihuana han cambiado totalmente. Creo que nos lavaron el cerebro y creo que cualquiera que no sepa que necesitan levantarse y leer y mirar a su alrededor, obtener su propia información. Es un proyecto gubernamental cooperativo para hacernos pensar que la marihuana debería ser prohibida ". [49]

Haggard había querido seguir a "Okie de Muskogee" con "Irma Jackson", una canción que trataba sobre un romance interracial entre un hombre blanco y una mujer afroamericana. Su productor, Ken Nelson, lo desanimó de lanzarlo como single. [33] Jonathan Bernstein relata: "Con la esperanza de distanciarse de la imagen de extrema derecha que había adquirido a raíz de" Muskogee ", que golpeaba a los hippies, Haggard quería tomar una dirección diferente y lanzar" Irma Jackson "como su próximo Cuando el nativo de Bakersfield, California, llevó la canción a su sello discográfico, los ejecutivos se sintieron consternados. A raíz de "Okie", Capitol Records no estaba interesado en complicar la imagen conservadora y obrera de Haggard ". [50]

Después del lanzamiento de "The Fightin 'Side of Me", Haggard comentó más tarde al Wall Street Journal"La gente es de mente estrecha. En el sur podrían haberme llamado amante de los negros". [51] En una entrevista de 2001, Haggard declaró que Nelson, quien también era jefe de la división country en Capitol en ese momento, nunca interfirió con su música, pero "esta vez salió y dijo: 'Merle, yo no' No creo que el mundo esté preparado para esto todavía '. . Y podría haber tenido razón. Podría haber cancelado hacia dónde me dirigía en mi carrera ". [33] [50]

"Okie From Muskogee", "The Fightin 'Side of Me" y "I Wonder If They Think of Me" (la canción de 1973 de Haggard sobre un prisionero de guerra estadounidense en Vietnam) fueron aclamados como himnos de la Mayoría Silenciosa y han sido reconocidos como parte de una tendencia patriótica recurrente en la música country estadounidense que también incluye "In America" ​​de Charlie Daniels y "God Bless the USA" de Lee Greenwood. [52] [53] Aunque Gordon Friesen de Costado La revista criticó a Haggard por sus "canciones tipo [John] Birch contra los disidentes de la guerra", Haggard era popular entre los estudiantes universitarios a principios de la década de 1970, no solo por el uso irónico de sus canciones por parte de miembros de la contracultura, sino también porque su música era reconocida. como proveniente de una antigua tradición campesina. Tanto "Okie from Muskogee" como "The Fightin 'Side of Me" recibieron una amplia difusión en las estaciones de radio clandestinas, y "Okie" fue interpretada en concierto por los cantantes de protesta Arlo Guthrie y Phil Ochs. [41]

LP de 1970 de Haggard Un tributo al mejor jugador de violín del mundo, dedicado a Bob Wills, ayudó a provocar un resurgimiento permanente y expandió la audiencia del swing occidental. [54] [55] En este punto, Haggard era uno de los cantantes country más famosos del mundo, habiendo disfrutado de una carrera artística y comercial inmensamente exitosa con Capitol, acumulando 24 singles country número uno desde 1966.

En 1972, Déjame contarte sobre una canción, el primer especial de televisión protagonizado por Haggard, fue distribuido a nivel nacional por Capital Cities TV Productions. Era un perfil musical semi-autobiográfico de Haggard, similar al contemporáneo Detrás de la música, producida y dirigida por Michael Davis. El himno de la recesión de 1973, "Si logramos pasar diciembre", promovió el estatus de Haggard como campeón de la clase trabajadora. "If We Make It Through December" resultó ser el último éxito pop crossover de Haggard and The Strangers.

Haggard apareció en la portada de TIEMPO el 6 de mayo de 1974. [56] También escribió e interpretó el tema principal de la serie de televisión Superar, que en 1975 le dio a él y a The Strangers otro éxito nacional número uno. [57] Desde principios hasta mediados de la década de 1970, el dominio de las listas de países de Haggard y The Strangers continuó con canciones como "Someday We Look Back", "Grandma Harp", "Always Wanting You" y "The Roots of My Raising ". Entre 1973 y 1976, él y The Strangers anotaron nueve éxitos consecutivos en el país número uno. En 1977, se cambió a MCA Records y comenzó a explorar los temas de la depresión, el alcoholismo y la mediana edad en álbumes como Prueba de 190 porciones y Mi manera de ser. Haggard cantó una versión a dúo de "What's A Little Love Between Friends" de Billy Burnette con Lynda Carter en su especial musical de televisión de 1980, Lynda Carter: ¡Encore! También obtuvo un éxito número uno en 1980 con "Bar Room Buddies", un dúo con el actor Clint Eastwood que apareció en el Bronco Billy banda sonora.

Haggard apareció en un episodio de Los Walton titulado "The Comeback", temporada cinco, episodio tres, fecha de emisión original 10 de octubre de 1976. Interpretó a un líder de banda llamado Red, que había estado deprimido desde la muerte de su hijo (Ron Howard). [58]

En 1981, Haggard publicó una autobiografía, Cantame de vuelta a casa. El mismo año, alternativamente habló y cantó la balada "El hombre de la máscara". Escrito por Dean Pitchford, cuyo otro trabajo incluye "Fame", "Footloose", "Sing", "Solid Gold" y el musical Carrie, esta fue la narración y el tema combinados de la película La leyenda del llanero solitario, un fracaso de taquilla. Haggard también cambió de sello discográfico nuevamente en 1981, pasando a Epic y lanzando uno de sus álbumes más aclamados por la crítica. Gran ciudad, en el que fue respaldado por The Strangers.

Entre 1981 y 1985, Haggard obtuvo 12 éxitos más del top 10 de country, y nueve de ellos alcanzaron el número uno, incluidos "My Favorite Memory", "Going Where the Lonely Go", "Someday When Things Are Good" y "Natural High ". Además, Haggard grabó dos dúos que encabezaron las listas de éxitos con George Jones, "Yesterdays 'Wine" en 1982, y con Willie Nelson, "Pancho and Lefty" en 1983. Nelson creyó que la película ganadora del Oscar de 1983 Tiernas misericordias, sobre la vida del cantante ficticio Mac Sledge, se basó en la vida de Merle Haggard. El actor Robert Duvall y otros cineastas lo negaron y afirmaron que el personaje no se basaba en nadie en particular. Duvall, sin embargo, dijo que era un gran admirador de Haggard's. [59]

En 1983, Haggard y su tercera esposa Leona Williams se divorciaron después de cinco tormentosos años de matrimonio. La división sirvió como una licencia para la fiesta de Haggard, quien pasó gran parte de la próxima década sumido en problemas de alcohol y drogas. [60] [61] Haggard ha declarado que estaba en su propia crisis de la mediana edad, o "menopausia masculina", en esta época. Dijo en una entrevista de este período: "Las cosas que has disfrutado durante años no parecen tan importantes, y estás en guerra contigo mismo en cuanto a lo que está sucediendo". ¿Por qué ya no me gusta eso? ¿Me gusta esto ahora? ' Y finalmente, creo que en realidad atraviesas un cambio biológico, simplemente te conviertes en otro. Tu cuerpo se está preparando para morir y tu mente no está de acuerdo ". [36] Fue brevemente un gran consumidor de cocaína, pero logró dejar el hábito. [60] A pesar de estos problemas, ganó un premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Masculina de Country por su remake de 1984 de "That's The Way Love Goes".

Haggard se vio obstaculizado por problemas financieros hasta bien entrada la década de 1990, ya que su presencia en las listas de éxitos disminuyó a favor de los cantantes de country más nuevos, como George Strait y Randy Travis. El último éxito número uno de Haggard fue "Twinkle, Twinkle Lucky Star" de su exitoso álbum. Factor de enfriamiento en 1988. [62]

En 1989, Haggard grabó una canción, "A mí y a los soldados lisiados nos importa un carajo", en respuesta a la decisión de la Corte Suprema de no permitir la prohibición de quemar banderas, considerándola como "discurso" y, por lo tanto, protegida por la Primera Enmienda. Después de que CBS Records Nashville evitó lanzar la canción, Haggard compró su salida del contrato y firmó con Curb Records, que estaba dispuesto a lanzar la canción. Haggard comentó sobre la situación: "Nunca he sido un tipo que pueda hacer lo que la gente me dijo. Siempre ha sido mi naturaleza luchar contra el sistema". [63]

En 2000, Haggard hizo una especie de regreso, firmando con el sello discográfico independiente Anti y lanzando el repuesto. Si tan solo pudiera volar a la aclamación de la crítica. Lo siguió en 2001 con Roots, vol. 1, una colección de portadas de Lefty Frizzell, Hank Williams y Hank Thompson, junto con tres originales de Haggard. El álbum, grabado en la sala de estar de Haggard sin sobregrabaciones, contó con los antiguos compañeros de banda de Haggard, The Strangers, así como con el guitarrista principal original de Frizzell, Norman Stephens. En diciembre de 2004, Haggard habló extensamente sobre Larry King en Directo sobre su encarcelamiento cuando era joven y dijo que era "el infierno" y "la experiencia más aterradora de mi vida". [64]

Cuando los oponentes políticos estaban atacando a las Dixie Chicks por criticar la invasión de Irak por el presidente George W. Bush en 2003, Haggard habló por la banda el 25 de julio de 2003, diciendo:

Ni siquiera conozco a las Dixie Chicks, pero me parece un insulto para todos los hombres y mujeres que lucharon y murieron en guerras pasadas cuando casi la mayoría de Estados Unidos se bajó el cuello por expresar una opinión. Fue como una caza de brujas verbal y un linchamiento. [65] [66]

El sencillo número uno de Haggard and The Strangers "Mama Tried" aparece en la película de 2003 Radio con Cuba Gooding, Jr. y Ed Harris, así como en Bryan Bertino's Los extraños con Liv Tyler. Además, su canción y la de The Strangers "Swingin 'Doors" se puede escuchar en la película. Choque (2004), [67] y su éxito de 1981 "Big City", donde está respaldado por The Strangers, se escucha en la película de Joel y Ethan Coen. Fargo. [68]

En octubre de 2005, Haggard lanzó su álbum Viento de chicago a críticas en su mayoría positivas. El álbum contenía una canción contra la guerra de Irak titulada "America First", en la que lamenta la economía de la nación y la infraestructura vacilante, aplaude a sus soldados y canta: "Salgamos de Irak y volvamos al camino". Esto se desprende de su lanzamiento de 2003 "Haggard Like Never Before" en el que incluye una canción, "That's The News". Haggard lanzó un álbum de bluegrass, Las sesiones de Bluegrass, el 2 de octubre de 2007. [70]

En 2008, Haggard iba a actuar en Riverfest en Little Rock, Arkansas, pero el concierto fue cancelado porque estaba enfermo y otros tres conciertos también fueron cancelados. Sin embargo, regresó a la carretera en junio y completó con éxito una gira que terminó el 19 de octubre de 2008. [ cita necesaria ]

En abril de 2010, Haggard lanzó un nuevo álbum, Soy lo que soy, [71] recibió críticas sólidas, e interpretó la canción principal en El programa de esta noche con Jay Leno en febrero de 2011. [72]

Haggard colaboró ​​con muchos otros artistas a lo largo de su carrera. A principios de la década de 1960, Haggard grabó duetos con Bonnie Owens, quien más tarde se convirtió en su esposa, para Tally Records, logrando un pequeño éxito con "Just Between the Two of Us". Como parte del acuerdo que hizo que Haggard firmara con Capitol, el productor Ken Nelson obtuvo los derechos de los lados de Tally de Haggard, incluidos los duetos con Owens, lo que resultó en el lanzamiento del primer álbum a dúo de Haggard con Owens and The Strangers en 1966, también titulado Solo entre nosotros dos. [73] El álbum alcanzó el número cuatro en las listas de países, y Haggard y Owens grabaron varios duetos adicionales antes de su divorcio en 1978. Haggard pasó a grabar duetos con George Jones, Willie Nelson y Clint Eastwood, entre otros. [74]

En 1970, Haggard lanzó Un tributo al mejor jugador de violín del mundo (o, mi saludo a Bob Wills), reuniendo a seis de los miembros restantes de los Playboys de Texas para grabar el tributo: Johnnie Lee Wills, Eldon Shamblin, Tiny Moore, Joe Holley, Johnny Gimble y Alex Brashear. [54] La banda de Merle, The Strangers, también estuvo presente durante la grabación, pero Wills sufrió un derrame cerebral masivo después del primer día de grabación. Merle llegó el segundo día, devastado por no poder grabar con él, pero el álbum ayudó a que Wills volviera a la conciencia pública y desencadenó un resurgimiento del swing occidental. [55] Haggard hizo otros álbumes tributo a Bob Wills durante los siguientes 40 años. En 1973 apareció en Por última vez: Bob Wills y sus playboys de Texas. En 1994, Haggard colaboró ​​con Asleep at the Wheel y muchos otros artistas influenciados por la música de Bob Wills en un álbum titulado Un tributo a la música de Bob Wills y los Playboys de Texas. [75] Un tributo fue reeditado en CD en el sello Koch en 1995.

En 1972, Haggard acordó producir el primer álbum en solitario de Gram Parsons, pero se retiró en el último minuto. Warner Bros. arregló una reunión en la casa de Haggard en Bakersfield y los dos músicos parecieron llevarse bien, pero más tarde en la tarde de la primera sesión, Haggard canceló. Parsons, un gran admirador de Haggard, quedó destrozado, y su esposa Gretchen le dijo a Meyer: "Merle no producir Gram fue probablemente una de las mayores decepciones en la vida de Gram. Merle era muy amable, muy dulce, pero tenía sus propios enemigos y los suyos. demonios ". [76] En 1980, Haggard dijo de Parsons, en una entrevista con Mark Rose, "Era un marica. Demonios, era solo un niño de pelo largo. Pensé que era un buen escritor. Sin embargo, no era un salvaje. Eso es lo que es gracioso para mí. Todos estos tipos que corren con el pelo largo hablando de ser salvajes y de los Rolling Stones. No creo que alguien que se abusa de las drogas determina cuán salvajes son. Podría determinar cuán ignorantes son ". [76]

En 1982, Haggard grabó Una prueba del vino de ayer con George Jones, un álbum que produjo dos éxitos entre los 10 primeros, incluido el número uno "Yesterday's Wine". [77] En 2006, la pareja lanzó una secuela, Pateando las candilejas. De nuevo. [78]

Haggard lanzó el álbum a dúo Pancho & amp Lefty con Willie Nelson en 1983, y la canción principal se convirtió en un gran éxito para el dúo. En 1987, un segundo LP menos exitoso, Costas del Viejo México, también fue lanzado, y la pareja volvió a trabajar junto con Ray Price en 2007, lanzando el álbum El último de la raza. En 2015, lanzaron su sexto y último álbum a dúo, Django y Jimmie. El sencillo principal del álbum, "It's All Going to Pot", era una sutil referencia a fumar marihuana, y el video musical de la canción mostraba a Haggard y Nelson fumando porros mientras cantaban en un estudio de grabación. [79]

En 1983, Haggard obtuvo permiso de Epic Records para colaborar con su entonces esposa Leona Williams en Polydor Records, lanzando Corazon a corazon en 1983. El álbum, en el que fueron respaldados por The Strangers, no fue un éxito, alcanzando el puesto 44. [80]

En 2001, Haggard lanzó un álbum de canciones gospel con Albert E. Brumley llamado Dos viejos amigos. [81] En 2002, Haggard colaboró ​​con un viejo amigo y compañero artista de grabación Chester Smith (fundador de la empresa de transmisión de televisión Sainte Partners II, L.P. y propietario de varias estaciones en California y Oregon) con un CD titulado Mezcla de California. [82] El CD incluye temas clásicos de country, western y gospel interpretados por Smith y Haggard.

En 2005, Haggard apareció como vocalista invitado en la canción de Gretchen Wilson "Politically Uncorrect", que obtuvo una nominación al Grammy por Mejor Colaboración Country con Voz. [83] También aparece cantando un verso en la canción de 2006 de Eric Church "Pledge Allegiance to the Hag". [84]

En 2005, Haggard apareció como vocalista invitado en la canción de Blaine Larsen "If Merle Would Sing My Song". En 2015, Haggard apareció como vocalista invitado en la canción de Don Henley "The Cost of Living" en el álbum. Condado de Cass. [ cita necesaria ]

En 2010, Haggard apareció junto con Ralph Nader, Willie Nelson, Gatewood Galbraith y Julia Butterfly Hill en el documental. Hempsters: planta la semilla dirigida por Michael P. Henning. [85]

En 2017, Haggard apareció junto a Willie Nelson en el galardonado documental. Las sesiones épicas americanas dirigida por Bernard MacMahon. Interpretaron una canción que Haggard había compuesto para la película, "The Only Man Wilder Than Me" [86] [87] y el clásico de Bob Wills "Old Fashioned Love", [88] que grabaron en vivo en la primera grabación de sonido eléctrico restaurada. sistema de la década de 1920. [89] Fue la última actuación filmada de la pareja, con Piedra rodante comentando "en la interpretación final de Sessions, Willie Nelson y Merle Haggard interpretan el dueto" The Only Man Wilder Than Me ". Haggard tiene una expresión de total alegría en su rostro durante toda la sesión en la antigua configuración de grabación que una vez se usó por sus héroes musicales ". [90]

La última grabación de Haggard, una canción llamada "Kern River Blues", describía su salida de Bakersfield a fines de la década de 1970 y su disgusto con los políticos. La canción fue grabada el 9 de febrero de 2016 y presenta a su hijo Ben en la guitarra. Este registro fue publicado el 12 de mayo de 2016 [91].

Haggard respaldaba las guitarras Fender y tenía un modelo Telecaster de la firma Custom Artist. La guitarra es una Telecaster Thinline modificada con tapa laminada de arce figurado, mástil fijo con talón profundamente tallado, diapasón de arce ojo de pájaro con 22 trastes jumbo, golpeador y encuadernación de marfil, herrajes dorados, incrustación de clavija Tuff Dog Tele de abulón, acabado Sunburst de 2 colores, y un par de pastillas Fender Texas Special Tele de bobina simple con conmutación de pastillas de 4 vías con cableado personalizado. También tocó modelos acústicos de seis cuerdas. En 2001, C. F. Martin & amp Company presentó una guitarra acústica Merle Haggard Signature Edition 000-28SMH de edición limitada disponible con o sin componentes electrónicos instalados de fábrica. [92]

Esposas e hijos Editar

Haggard se casó cinco veces, primero con Leona Hobbs de 1956 a 1964. Tuvieron cuatro hijos: Dana, Marty, Kelli y Noel. [93]

Poco después de divorciarse de Hobbs, en 1965, se casó con la cantante Bonnie Owens. [94] Haggard le atribuyó el mérito de haberlo ayudado a hacer su gran salto como artista country. Compartió el crédito de escritura con Owens por su éxito "Today I Started Loving You Again" y reconoció, incluso en el escenario, que la canción trataba sobre un repentino estallido de sentimientos especiales que experimentó por ella mientras estaban de gira juntos. También ayudó a cuidar a los hijos de Haggard desde su primer matrimonio y fue la dama de honor del tercer matrimonio de Haggard. Haggard y Owens se divorciaron en 1978 pero siguieron siendo amigos cercanos ya que Owens continuó como su corista hasta su muerte en 2006. [94]

En 1978, Haggard se casó con Leona Williams. En 1983, se divorciaron. [95] En 1985, Haggard se casó con Debbie Parret y se divorciaron en 1991. [96] Se casó con su quinta esposa, Theresa Ann Lane, el 11 de septiembre de 1993. Tuvieron dos hijos, Jenessa y Ben. [97]

Consumo de cigarrillos y drogas Editar

Haggard dijo que comenzó a fumar marihuana cuando tenía 41 años. Admitió que en 1983 compró "$ 2,000 (por valor) de cocaína" y festejó cinco meses después, cuando dijo que finalmente se dio cuenta de su condición y dejó de fumar para siempre. [60] Dejó de fumar cigarrillos en 1991 y dejó de fumar marihuana en 1995. [98] Sin embargo, un Piedra rodante La entrevista de la revista en 2009 indicó que había reanudado el consumo habitual de marihuana. [96]

Enfermedad y muerte Editar

Haggard se sometió a una angioplastia en 1995 para desbloquear las arterias obstruidas. [99] El 9 de noviembre de 2008, se anunció que había sido diagnosticado con cáncer de pulmón en mayo y se sometió a una cirugía el 3 de noviembre, durante la cual se extirpó parte de su pulmón. [100] Haggard regresó a casa el 8 de noviembre. [101] Menos de dos meses después de su cirugía de cáncer, tocó en dos shows el 2 y 3 de enero de 2009, en Bakersfield en el Buck Owens Crystal Palace, y continuó girando y grabando hasta poco tiempo. antes de su muerte.

El 5 de diciembre de 2015, Haggard fue tratado en un hospital no revelado en California por neumonía. [102] Se recuperó, pero pospuso varios conciertos. [102]

En marzo de 2016, Haggard fue hospitalizado nuevamente. [103] Sus conciertos de abril fueron cancelados debido a su doble neumonía en curso. [104] En la mañana del 6 de abril de 2016, cuando cumplía 79 años, murió de complicaciones de neumonía en su casa de Palo Cedro, condado de Shasta, California. [5] [105] [106] Haggard fue enterrado en un funeral privado en su rancho el 9 de abril de 2016, oficiado por su viejo amigo Marty Stuart. [107] [108]

Pérdida de material Editar

El 25 de junio de 2019, Revista del New York Times incluyó a Merle Haggard entre los cientos de artistas cuyo material, según los informes, fue destruido en el incendio de Universal de 2008. [109]

Durante su larga carrera, Haggard recibió numerosos premios de la Academia de Música Country, la Asociación de Música Country y la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación (Premios Grammy) (ver Premios). Fue incluido en el Nashville Songwriters Hall of Fame en 1977, [2] el Country Music Hall of Fame and Museum en 1994, [3] y el Oklahoma Music Hall of Fame en 1997. [4] En 2006, recibió un Grammy Lifetime Achievement Award, y también fue honrado como un ícono de BMI en la 54ª edición anual de los BMI Pop Awards ese mismo año. Durante su carrera como compositor hasta ese momento, Haggard había ganado 48 premios BMI Country, nueve premios BMI Pop, un premio BMI R & ampB y 16 premios BMI "Million-Air", todos de un catálogo de canciones que sumaron más de 25 millones. actuaciones. [1]

Haggard aceptó un Kennedy Center Honor el 4 de diciembre de 2010, del John F. Kennedy Center for the Performing Arts en reconocimiento a su trayectoria y su "destacada contribución a la cultura estadounidense". [110] Al día siguiente, fue honrado en una gala en Washington, DC, con actuaciones musicales de Kris Kristofferson, Willie Nelson, Sheryl Crow, Vince Gill, Jamey Johnson, Kid Rock, Miranda Lambert y Brad Paisley. Este tributo se presentó en la transmisión de CBS del 28 de diciembre de 2010 de los Kennedy Center Honors. [111]

En julio de 2007, un tramo de tres millas y media de 7th Standard Road en Oildale, California, donde creció Haggard, pasó a llamarse Merle Haggard Drive en su honor. Se extiende desde North Chester Avenue hacia el oeste hasta la U.S. Route 99 y brinda acceso a la terminal del aeropuerto William M. Thomas en el aeropuerto Meadows Field. Haggard presentó dos programas para recaudar fondos para pagar los cambios en la señalización vial. [112] En 2015, el vagón convertido en el que vivía la familia Haggard en Oildale se trasladó al Museo del Condado de Kern para su conservación y restauración histórica. [113] [114]

El 6 de noviembre de 2013, el alcalde de Winchester, Virginia, otorgó a Haggard la Llave de la ciudad en el Teatro Patsy Cline después de un espectáculo con entradas agotadas de Bonnie Blue Concerts.

El 14 de junio de 2013, la Universidad Estatal de California, Bakersfield, otorgó a Haggard el título honorífico de Doctor en Bellas Artes. Haggard subió al podio y dijo: "Gracias. Es bueno ser notado".

El 26 de enero de 2014, Haggard interpretó su canción de 1969 "Okie from Muskogee" en la 56ª entrega anual de los premios Grammy junto con Kris Kristofferson, Willie Nelson y Blake Shelton. [ cita necesaria ]

Influencia Editar

La forma de tocar la guitarra y la voz de Haggard le dieron a sus canciones country un estilo duro, parecido al blues, en muchos cortes. Aunque expresó abiertamente su aversión por la música country moderna, [84] elogió a George Strait, Toby Keith y Alan Jackson. Haggard también estaba interesado en la música jazz, y declaró en una entrevista en 1986 que quería ser recordado como "el mejor guitarrista de jazz del mundo al que le encantaba tocar country". [115] Keith ha señalado a Haggard como una gran influencia en su carrera.

Como se señala en un artículo publicado en El Washington Post tras la muerte de Haggard, "El respeto por la Hag [Haggard] como icono, tanto por su estatus musical como por sus opiniones personales, es un tema común" en la música country. [84] Muchos actos de música country han rendido homenaje a Haggard mencionándolo en sus canciones (un hecho favorecido por su nombre de pila que rima con "girl", un tema común en las canciones country). Éstos incluyen:

    grabó "My Kind of Girl", que incluye la línea, "¿Qué tal un poco de música? / Ella dijo que tienes algo de Merle / Fue entonces cuando supe que ella era mi tipo de chica". [84]
  • En 2000, Alan Jackson y George Strait cantaron "Murder on Music Row", que critica las principales tendencias del country: "The Hag no tendría ninguna oportunidad en la radio de hoy / porque cometieron asesinatos en Music Row". [84]
  • En 2005, el dúo de country rock Brooks & amp Dunn cantaron "Just Another Neon Night" en su Hillbilly Deluxe álbum. En la canción, Ronnie Dunn dijo: "Tiene una sonrisa de Eastwood y una arrogancia de Tulare / Hollerin 'apaga ese rap / Y ponme un poco de Haggard". Brooks y Dunn también hacen referencia a Haggard en "Rock My World (niña de campo)" de 1993 en su Hombre trabajador álbum mientras cantan "Actúa como Madonna pero escucha a Merle / Rock my world little country girl". [84]
  • Red Simpson menciona a Haggard y Buck Owens en su canción de 1971 "I'm a Truck", que contiene la frase: "Bueno, ya sé lo que va a hacer ahora / Saca ese cartucho de cinta de Buck Owens y reprodúcelo de nuevo / No sé por qué no consigue una cinta de Merle Haggard ". [116]
  • En 2005, Shooter Jennings mencionó a Haggard en la canción principal de su álbum. Pon la "O" en el país y luego lo mencionó en 2007 en su canción "Concrete Cowboys". [117]
  • En 2006, Hank Williams III incluyó a Haggard, así como a otros íconos del país, en la canción "Country Heroes". [118] lo menciona en su canción de 2013, "I Do Now": "Gracias a Dios por Merle Haggard, tiene razón, la botella me decepcionó". [84]
  • "You Never Even Called Me by My Name", escrita por Steve Goodman e interpretada por David Allan Coe, menciona a Haggard y su canción "The Fightin 'Side of Me" junto con referencias a Waylon Jennings y Charley Pride. [119] menciona "The Okie from Muskogee" en su canción "Who's Gonna Fill Their Shoes". [120]
  • La canción de Gretchen Wilson "Politically Uncorrect" y la canción de Eric Church "Pledge Allegiance To The Hag" contienen tributos a Haggard, además de presentarlo como vocalista invitado. [84]
  • El cantante de country David Nail hace referencia a la canción de Haggard "Mama Tried" en la letra de su canción "The Sound of a Million Dreams" de su álbum de 2011 del mismo nombre: ". al costado de la carretera. ". La canción fue escrita por Phil Vassar y amp Scooter Carusoe.
  • En la canción de John Anderson "Honky Tonk Saturday Night", él canta las líneas: "Fui a la máquina de discos y puse un poco de Merle Haggard / Oh, yo y la camarera cree que está fuera de vista". centraliza Merle en su canción "Monday Morning Merle", con una referencia en el coro ". Aparece 'Misery and Gin', aquí estamos de nuevo - Monday Morning Merle".

En la década de 1970, varios grupos de rock respondieron con sus propias canciones a las críticas de Haggard a la contracultura hippie en "Okie from Muskogee" y "The Fightin 'Side of Me". Los Youngbloods respondieron "Okie de Muskogee" con "Hippie de Olema", en el que, en una repetición del estribillo, cambian la línea, "Todavía aceptamos a los extraños si están harapientos" a "Todavía aceptamos a los extraños si están demacrados ". [121] Nick Gravenites, de Big Brother and the Holding Company, rindió a Haggard un homenaje irónico con la canción "I'll Change Your Flat Tire, Merle", [122] más tarde versionada por otros artistas, incluido Pure Prairie. Liga. [123] A pesar de estas críticas, Grateful Dead interpretó "Mama Tried" más de 300 veces, [124] y "Sing Me Back Home" aproximadamente 40 veces. [125]

La banda de rock sureña Lynyrd Skynyrd hizo una referencia más respetuosa a Haggard en su canción, "Railroad Song", que contiene la letra: "Bueno, soy un viaje en este tren, Señor, hasta que descubra / De qué se trataban Jimmie Rodgers and the Hag". Skynyrd también interpretó una versión de "Honky Tonk Night Time Man" y su propia versión de la canción con "Jacksonville Kid" (que se encuentra en la reedición del CD del álbum de 2001) en su álbum. Supervivientes de la calle. [126] Se describió a sí mismo como un estudiante de música, filosofía y comunicación. Hablaba sobre la guitarra del jazzista Howard Roberts, la vida después de la muerte y la técnica de hablar única de Garner Ted Armstrong de The World Tomorrow con entusiasmo y autoridad. [127]

Actuación de televisión Editar

Merle apareció en la quinta temporada, episodio tres de Los Walton llamado "El regreso". Interpretó a Red Turner, un músico local que se había deprimido y retraído después de la muerte de su hijo, interpretado por Ron Howard, en el episodio llamado "The Gift". [ cita necesaria ]


Semana en la historia del rock: John y Yoko & # 8217s & # 8216Two Virgins & # 8217 es incautado como pornografía

Esta semana en la historia del rock, Johnny Cash actuó en San Quentin, John and Yoko & # 8217s álbum fue incautado por la policía, las Supremes grabaron uno de sus mayores éxitos, Nirvana firmó un fatídico contrato discográfico y Pink se casó en Costa Rica.

1 de enero de 1958: Johnny Cash actúa en la prisión estatal de San Quentin.
Si Johnny Cash cambió la música country de la noche a la mañana con el lanzamiento de su álbum de 1968 Vivir en la prisión de Folsom, tardó mucho en llegar: su primera actuación tras las rejas ocurrió una década antes.

En 1958, Cash mostró su compasión desde hace mucho tiempo por los presos cuando actuó en la prisión estatal de San Quentin, notoriamente áspera, en el lugar del corredor de la muerte de California para los presos varones. Su audiencia quedó cautivada por su interpretación franca y sin intimidaciones, y su respuesta exultante no pasó desapercibida para el sello Columbia, Man in Black & # 8217s. Aunque algunos en la compañía se opusieron al entusiasmo de Cash por el proyecto de la cárcel, el productor Bob Johnson lo respaldó a fines de la década de 1960, y Cash posteriormente actuó en más instalaciones correccionales, liberando Johnny Cash en la prisión de Folsom en 1968 y Johnny Cash en San Quentin en 1969. Ambos barrieron las listas de éxitos del país y se convirtieron en lanzamientos característicos de Cash, y cimentaron la reputación del cantautor como un forastero cauteloso y campeón de los forajidos en todo el mundo.

Curiosamente, la primera actuación de Cash & # 8217 en San Quentin tuvo una futura estrella del country en su audiencia: Merle Haggard, quien estaba cumpliendo dos años por robo y, inspirada por Cash, llegaría a tener 38 éxitos número uno en la cartelera. gráficos de países.

2 de enero de 1969: envío de John y Yokos Música inacabada n. ° 1: dos vírgenes es incautada por las autoridades de Nueva Jersey, que consideran que su tapaderapornográfico
Después de una sesión de improvisación de vanguardia que duró toda la noche en 1968, John Lennon y Yoko Ono decidieron lanzar las grabaciones con el nombre Música inacabada n. ° 1: dos vírgenes, el título relacionado con sus sentimientos de inocencia en el mundo que los rodea y también la consumación de su relación después de esa noche. Sin embargo, las autoridades de Nueva Jersey tuvieron una respuesta diferente a la carátula del álbum: la encontraron pornográfica.

Dos vírgenes& # 8216, la famosa portada presentaba una fotografía desnuda de cuerpo entero de la pareja. Poco después de su publicación, la policía confiscó 30.000 copias del registro en el aeropuerto de Newark en Nueva Jersey, impidiendo su venta. Después de esto, el disco de sonido discordante y ruido blanco de la pareja se vendió con una funda de papel marrón que oscurecía la cubierta rígida, lo que no ayudó a la recepción general del disco. Irónicamente, algunos oyentes encontraron el estruendoso tumulto como una expresión artísticamente inmadura.

5 de enero de 1965: El récord de Supremes & # 8220¡Para! En el nombre del amor & # 8221
El clásico de Supremes & # 8217 & # 8220 ¡Alto! In the Name of Love & # 8221 no fue solo su triunfo & ndash, también perteneció a los mejores compositores de Motown, el equipo de Lamont Dozier y los hermanos Brian Holland y Edward Holland, Jr. Como Holland-Dozier-Holland, escribieron decenas de clásicos. para actos como Martha y las Vandellas, las Cuatro Cimas y, por supuesto, las Supremes.

Cuando se lanzó & # 8220Stop! & # 8221, las Supremes ya eran las estrellas más brillantes de la lista de Motown Records. Con sus éxitos pop femeninos y seguros, se mantuvieron firmes junto a los Beatles y los Rolling Stones como uno de los grupos más grandes de mediados de los sesenta. Mientras que Diana Ross, quien se desempeñó como cantante principal, se convirtió en un ícono de estilo internacional, su compañera de banda Florence Ballard tenía la voz más fuerte, una rivalidad apenas ficcionalizada en Ninñas soñadas.

& # 8220Stop! & # 8221 fue muy enfatizado durante el proceso de grabación de la banda & # 8217 en enero de 1965. Aunque tomó varias sesiones intensas para grabar, la canción confirmó su afirmación como uno de los actos más importantes de la década al saltar al número uno. posicionarse en las listas de éxitos en marzo y permanecer allí durante dos semanas. Sigue siendo una de las canciones más queridas del grupo.

1 de enero de 1989: Nirvana firma un contrato discográfico con Sub Pop.
Kurt Cobain pudo haber sido etiquetado libremente como parte del movimiento & # 8220slacker & # 8221 de principios de la década de 1990 debido a su cabello descuidado y togas de franela, pero siempre estuvo intensamente concentrado en preservar la libertad artística de su banda, Nirvana. Después de que la banda lanzara su primer sencillo, & # 8220Love Buzz, & # 8221 en noviembre de 1988 en Sub Pop Records, comenzaron a grabar su álbum debut, Blanqueador, en Seattle, por la friolera de $ 600.

Pero Cobain sabía muy bien que Nirvana pronto se convertiría en un producto candente, y actuó en consecuencia. En enero de 1989, antes Blanqueador& # 8216s lanzamiento, tomó prestado el libro Todo lo que necesita saber sobre el negocio discográfico de la biblioteca de Seattle, después de lo cual pasó borracho por la casa del propietario de Sub Pop, Bruce Pavitt, e insistió en que Nirvana firmara un contrato de tres álbumes y tres años. Fue el primer acuerdo de este tipo que se firmó para la etiqueta bohemia. Según Everett True, autor de Nirvana: la verdadera historia, la banda firmó un contrato que había sido fotocopiado de otro libro legal en la biblioteca (con líneas cubiertas en White-Out para que los músicos pudieran firmar sobre el texto existente).

El contrato que Cobain exigió resultó ser más sabio de lo que él mismo podría haber imaginado: no solo aseguró la libertad creativa de la banda (y fue útil incluso después de que firmaron con Geffen Records), sino que también salvó a Sub Pop de problemas financieros.

7 de enero de 2006: Pink se casa con Carey Hart.
De todas las jóvenes estrellas del pop de la década de 2000, Pink tomó el camino más divergente. Una cantante dura y franca con una diva del rock & # 8217s flautas, la nativa de Filadelfia (nacida Alecia Moore) comenzó como artista de dance-pop en 2000 con & # 8220There You Go & # 8221 y & # 8220Get the Party Started & # 8221. También participó en la portada de la superestrella & # 8220Lady Marmalade & # 8221 con Christina Aguilera para el Moulin Rouge banda sonora antes de pasar a los lamentos autorreflexivos de & # 8220Family Portrait & # 8221 y & # 8220Dear Diary & # 8221 y el pop-punk ganador del Grammy de & # 8220Trouble. & # 8221

Pink también manejó el romance de manera diferente a sus compañeros del pop. Mientras Britney Spears y Jessica Simpson eran cortejadas por galán de boy-band, Pink se enamoró del rudo corredor de motocross Carey Hart.Después de cuatro años de citas, ella le propuso matrimonio durante una de sus carreras en California sosteniendo un cartel que decía: & # 8220 ¿Quieres casarte conmigo? & # 8221 Carey continuó la carrera hasta que Pink agregó a su cartel & # 8220I & # ¡8217m en serio! & # 8221 Carey se retiró de la carrera para decir que sí, y se casaron un año después en una playa de Costa Rica frente a 100 invitados. La pareja ahora tiene una hija.


Ver el vídeo: Johnny Cash -- His Final Live Performance 2003